Registrati

28 Febbraio 2021

Illustrazione & moda…giovani talenti

Le illustrazioni creano suggestioni rappresentando la moda, gli stili, le tendenze, descrivono stoffe e tagli…ci vuole talento!

Disegnare, dipingere, cancellare, colorare sono azioni molto umane anche se con l’ausilio di dispositivi digitali.

Il disegno, come la narrazione è un linguaggio universale una forma di espressione che fa parte della natura umana fin dagli arbori.

In questo periodo di isolamento forzato, tutto ciò che riporta direttamente all’umano, come il lavoro manuale e l’arte, offre una percezione di affinità e vicinanza.

Illustrare significa illuminare, rendere chiaro, splendente come una porta spalancata sull’immaginario in diretto contatto con il “sentire”.

L’illustrazione è una narrazione intuitiva, coinvolgente, trasversale arriva anche ad un pubblico non specializzato.

Ma come si può comunicare un abito con la sola illustrazione?

L’illustratore è chiamato a concettualizzare e sintetizzare l’immaginario per professione. Non solo esprime un concetto, un abito, ma anche l’anima di chi l’ha concepito e realizzato.

Con l’evoluzione della comunicazione legata anche alle tecnologie nonché ai canali social, il linguaggio grafico e rappresentativo ha assunto una rinnovata centralità.

Ancora e oggi più che mai conquista brand e maison per campagne pubblicitarie e copertine dei fashion magazine nazionali e internazionali come Vogue, Harper’s Bazaar, D repubblica, IO donna, Elle, Marie Caire…

Il numero di gennaio di Vogue Italia è stato il primo nella storia della rivista a presentare illustrazioni al posto di fotografie per dimostrare che è possibile rappresentare gli abiti senza fotografarli (in realtà dando anche una motivazione eco-sostenibile di cui vorrei parlare magari in un prossimo articolo).

Ed è stato un successo strepitoso, un tripudio di colori e immagini. L’esplosione di nuovi concetti illustrativi, di nuovi e giovani talenti artistici ed io ne sono stata completamente catturata.

L’illustrazione ha da sempre accompagnato la mia vita e lo fa tuttora.

Chi lavora con le immagini raccoglie ovunque un’infinità di stimoli e contaminazioni. Questo mix di influenze e “mani” creano modi di illustrare innovativi, personali, stili e soluzioni ancora in crescita o trasformazione, tratti infantili o futuristici.

Immagini filtrate attraverso una visione individuale e molto personale tipiche dell’arte.

Personalmente amo le illustrazioni d’impatto, quelle dall’aria incompleta, imperfetta, le caratterizzazioni del tratto e del disegno e ovviamente i colori e le tecniche pittoriche siano esse manuali o digitali.

Insomma adoro la follia la personalità e lo spazio libero lasciato anche a chi osserva.

Non esistono scenografie, luoghi esotici o ritocchi fotografici che possano competere con una visione artistica individuale e personale.

Stimolata dalle copertine di Vogue e poiché Instagram è il mezzo preferito dalla maggior parte dei giovani artisti per mettere in mostra la propria creatività, mi sono fatta un bel giretto tra #hastag e quant’altro per fare una personale ricerca di illustratori emergenti.

Mi è piaciuto moltissimo quello che ho visto e per questo lo voglio condividere con voi.

Giulia Sollai
Giulia Sollai
Giulia Sollai
Carlo Duina
Carlo Duina
Carlo Duina
Irene Ghillani
Irene Ghillani
Irene Ghillani
Karolina Pawelczyk
Karolina-Pawelczyk
Karolina-Pawelczyk
Yuliya-Yg
Yuliya-Yg
Didier Falzone
Didier Falzone
Didier Falzone
Rosalba Cafforio
Rosalba Cafforio
Rosalba Cafforio
Evgeniya Manko
Evgeniya Manko
Evgeniya Manko
Aire
Aire
Aire
Emanuela Carnevale
Emanuela Carnevale
Emanuela Carnevale
Marialaura Fedi
Marialaura Fedi
Marialaura Fedi
Cecilia Castelli
Cecilia Castelli
Cecilia Castelli
Jessica Durrant
Jessica Durrant
Benedikte Klüver
Benedikte Klüver
Benedikte Klüver

Spero che la mia selezione vi sia piaciuta.

Se vi siete divertite e volete continuare ad approfondire l’argomento, cliccate il link di un mio altro articolo del 2014 Fascinazioni illustrate,

ma ricordatevi di mettere le stelline!

A presto !

Cris…VeryCris

[Voti: 4   Media: 5/5]

22 Febbraio 2021

Moda sostenibile…un’occasione importante!

La moda sostenibile riguarda il nostro stile e soprattutto la nostra sopravvivenza.

Di che cosa stiamo parlando?

Si intende l’obiettivo del comparto moda di creare una maggiore armonia tra i prodotti, l’ambiente e le persone.

Riferito all’ambiente sentirete l’espressione eco-fashion” e quando sono coinvolte le persone si sente parlare di moda-etica”.

Sì perché la moda sostenibile coinvolge il rispetto dell’ambiente e della società in tutte le sue fasi: dalla creazione, alla produzione passando per la distribuzione e la vendita e infine anche all’acquisto.

Tutte le fasi agiscono come pezzi di un puzzle per la realizzazione di una moda caratterizzata dall’attenzione alle persone, al loro benessere e allo sviluppo di un ecosistema favorevole alla salvaguardia del Pianeta.

Ma facciamo degli esempi concreti.

Il Fast fashion è una spina nel fianco. Una moda veloce e di bassa qualità, che sforna una collezione ogni 1/2 settimane non è assolutamente ecosostenibile.

La bassa qualità dei capi riduce il loro ciclo vitale e inquina.

Produciamo molto di più rispetto a quello che effettivamente viene comprato.

Le aziende di abbigliamento non sanno come smaltire lo stock invenduto. Molto spesso questo si trasforma in una mole di rifiuti per non creare una svalutazione della merce.

Le produzioni di questo tipo sono generalmente locate in paesi dove il costo del lavoro è basso e quindi dove gli operai sono in condizioni di miseria e sfruttamento. Non solo, ma anche in paesi dove i controlli degli inquinanti sono praticamente nulli. Oppure dove c’è un utilizzo massiccio di diserbanti nelle agricolture di cotone o dove l’emissione di CO2 nell’ambiente attraverso le industrie sono elevate, …

Consumiamo molto di più rispetto ai nostri reali bisogni.

Siamo spinti a comprare dal sistema fast fashion che pervade le nostre vite. Ci sollecita ad acquistare più del necessario e quindi a basso prezzo ma ad alto costo. Nei cartellini di questo tipo di prodotto si cela un secondo costo che stiamo tutti pagando in termini macroeconomici, umani e di salute.

La moda che dobbiamo sostenere è quella emozionale che dà valore a quello che indossiamo.

La moda di alta qualità è storicamente sostenibile ed è il dna del Made in Italy. Produrre capi realizzati rispettando il lavoro e la tradizione, attraverso materiali sostenibili e cercando di restituire qualcosa alla società, dovrebbe essere il nostro obiettivo.

Da qui nasce una tendenza che si manifesta con un ritorno alla misura artigianale, alla lavorazione manuale, alla suggestione del capo unico e durevole e alla moda circolare che allunga la vita dei prodotti e rigenera le materie prime.

In linea con il mio carattere, invece di approfondire i lati negativi del sistema moda attuale, voglio elencare tutti i lati positivi e i vantaggi del consumo consapevole.

  • Primo fra tutti senza dubbio il minore impatto ambientale che tutela la salute di tutti.
  • Il secondo vantaggio è il miglioramento delle condizioni dei lavoratori coinvolti nel ciclo di vita di un prodotto di moda. In particolare la produzione che molto spesso avviene in paesi in cui non vengono garantiti salari minimi o condizioni di lavoro accettabili, con ricorso a sfruttamento e abusi di vario tipo.
  • In terzo luogo, lo sviluppo della moda sostenibile può contribuire alla nascita di nuove tecnologie generando crescita economica
  • Il concetto di moda sostenibile spinge inoltre ad una re-valorizzazione delle tradizioni produttive dei vari paesi, portando consapevolezza sulle arti e le risorse interne di cui noi nello specifico siamo ricchi.
  • Infine la moda ecosostenibile sostiene l’attività lavorativa femminile, proprio perché le nostre maestranze sono perlopiù femminili.

Dobbiamo essere tutti coinvolti nello “switch” sostenibile, tutti possiamo contribuire alla costruzione di un nuovo sistema moda.

E’ arrivato anche il momento di educare i nostri figli alla consapevolezza rispetto a ciò che indossano. Greta Thumberg ha sollevato anche nei giovani la sensibilità ambientale e anche le scuole già da tempo si sono attivate.

La realizzazione è frutto di un laboratorio di rap inserito nel più ampio progetto “VIAGGIO DI UNA T-SHIRT NELL’ECONOMIA GLOBALE”, proposto ad alcune classi della Scuola Primaria e Secondaria dal “Laboratorio del Cittadino”
Acquistando un capo prodotto da un brand che propone una moda sostenibile, fai del bene all’ambiente e all’umanità.

Nei prossimi 20 anni essere ‘sostenibile’ sarà una caratteristica necessaria che ogni prodotto dovrà incorporare per accedere al mercato.

Già da adesso ci sono moltissimi brand che basano le loro collezioni sul rispetto dell’ambiente e delle persone.

Ricordiamoci che alla fine della filiera ci siamo noi che acquistiamo e quindi siamo noi che abbiamo l’arma più potente per spingere il mercato al cambiamento.

In conclusione, se è vero che lo shopping compulsivo, senza badare alle etichette, può farci sentire appagati anche se in modo illusorio, lo shopping sostenibile può fare di meglio: può salvarci tutti.

Vivere la moda in modo consapevole e sostenibile è possibile, basta lasciarsi guidare dalla volontà di rispettare il nostro pianeta, la nostra civiltà e anche la nostra economia, facendo attenzione a cosa si acquista.

Si può essere eleganti senza rinunciare ad essere sostenibili.

Grazie per l’attenzione !

Cris…VeryCris

Note per un approfondimento:

Il documentario “The True Cost” è un film che consiglio a tutti per meglio comprendere le implicazioni che le nostre scelte in fatto di abbigliamento e accessori hanno sul pianeta e le persone, nonché sul nostro futuro.

Se poi volete approfondire l’argomento vi consiglio alcune letture piacevoli e al contempo esplicative.

“La rivoluzione comincia dal tuo armadio” ( Luisa Ciuni – Marina Spadafora)

“I viaggi di una T-shirt nell’economia globale” ( Rivoli Pietra)

Le illustrazioni di copertina sono di @Bijou Karman

[Voti: 3   Media: 5/5]

16 Febbraio 2021

Keith Haring – il genio del metrò

A trentun anni dalla sua scomparsa non posso non ricordare Keith Haring.

Ma chi era o meglio chi è?

Haring è indiscutibilmente uno degli esponenti più singolari del graffitismo di frontiera, uno dei più rilevanti autori della seconda metà del Novecento.

Genio, creatore di una nuova dimensione artistica fatta di colori, bidimensionalità e di grande impatto comunicativo, espressione di una controcultura socialmente e politicamente impegnata.

Con la sua arte ha dato voce a temi sociali profondi, impegnativi e di forte impatto: la la droga, la discriminazione verso le minoranze, la minaccia nucleare, l’alienazione giovanile, l’arroganza del potere, l’Aids (di cui è morto).

«Un giorno, viaggiando in metropolitana, ho visto un pannello che doveva contenere un messaggio pubblicitario. Ho capito subito che quello era lo spazio più appropriato per disegnare. Sono risalito in strada fino ad una cartoleria e ho comprato una confezione di gessetti bianchi, sono tornato in metropolitana e ho fatto un disegno su quel pannello. Era perfetto, soffice su carta nera; il gesso vi disegnava sopra con estrema facilità» Keith Haring

La sua arte quasi infantile, è dirompente, dissacrante e divertente al tempo stesso.

Warhol—Keith-Haring

«L’arte deve essere per tutti e dappertutto».

(Keith Haring)

Cris…VeryCris

Se l’articolo vi è piaciuto mettete le stelline, grazie.

[Voti: 3   Media: 5/5]

14 Febbraio 2021

Oh, l’amore!

Parlare d’amore rende immediatamente più positivi e pieni di energia e quindi eccomi pronta a sondare insieme a voi i risvolti misteriosi di questa cosa astratta che muove il mondo.

Ma che cos’è l’amore?

E’ stato studiato, filosofato, pensato e vissuto da romantici, filosofi, poeti, musicisti, pittori ecc. fin dagli albori della razza umana.

Filosofi e scienziati hanno cercato di rispondere a questa domanda da sempre.

Secondo gli antichi greci esistevano tre forme di amore: Eros – Philia e Agape a cui oggi potremmo dare il nome di Passione- Amicizia e Benevolenza.

Nell’era contemporanea lo psicologo americano Robert Sternberg sostenne che l’amore può essere compreso attraverso tre componenti che manifestano ognuno un aspetto diverso. E a me già questa cosa piace, perché sono certa che esistano molti tipi di amore, ma forse anche più di tre, ma partiamo da questi.

L’intimità che si riferisce ai sentimenti di contatto, vicinanza, affinità, connessione, legame, calore,condivisione e tenerezza.

La passione che include l’attrazione sia mentale che fisica, il contatto, l’eccitazione e le pulsioni che conducono al desiderio.

L’impegno che si riferisce, nel breve termine, alla scelta della persona per cui si prova un sentimento d’amore, e nel lungo termine, al proprio impegno a mantenere vivo quell’amore.

Secondo Sternberg, questi 3 punti costituiscono, sia interagendo tra loro che in autonomia, quel meraviglioso sentimento che ha ispirato migliaia di canzoni, romanzi e poesie, film, quadri e tutte le forme dell’arte.

il bacio Klimt – “V-J Day in Times Square” di Eisenstaedt

Io invece vedo l’amore un po’ come un caleidoscopio del “sentire” se stessi e l’altro.

Il caleidoscopio si serve di specchi e frammenti di vetro o plastica colorati che pur differenti per forma e colore creano una molteplicità di strutture simmetriche e armoniose. Si specchiano, si riflettono, si compensano, contrastano, si amalgamano in un continuo movimento, creando continuamente immagini nuove pur rimanendo sempre sé stessi.

Ecco per me l’amore può essere anche immaginato così, come la meraviglia che si crea da un caleidoscopio.

Diego Ruvidotti musica originale

Non ci sono dubbi sul fatto poi che l’innamoramento sia una forma transitoria di follia e che si possa rimanere innamorati tutta la vita, sempre in maniera diversa.

Si può essere innamorati di sé stessi come dicevano Orcar Wilde:

“amare se stessi è l’inizio di una storia d’amore lunga tutta la vita“

e Frida Kahlo:

“Innamorati di te, della vita e dopo di chi vuoi”.

Si può essere innamorati della vita, dell’amore, di un uomo, di una donna, di un luogo, della musica, dell’arte

L’importante è

mantenere quel pizzico di follia sempre viva !

Vancouver-riot-kiss-di-Richard-Lam
L’amore Frida Kahlo

L’amore? Non so.
Se include tutto,
anche le contraddizioni
e i superamenti di sé stessi,
le aberrazioni e
l’indicibile,
allora sì, vada per l’amore.
Altrimenti, no.

Mantenere intatti in noi quei piccoli diamanti che si chiamano romanticismo e spontaneità infantile.

Roberto Benigni (La tigre e la neve)

E se muore lei tutta questa messa in scena del mondo che gira la posso pure smontare. Possono schiodare, arrotolare tutto il cielo, caricarlo su un camion col rimorchio…Possono spegnere questa luce bellissima del sole che mi piace tanto, tanto. Sai perché mi piace tanto? Perché mi piace lei illuminata dalla luce del sole. Possono portare via tutto: questi tappeti, questi palazzi, la sabbia, il vento, le rane, i cocomeri maturi, la grandine, le sette del pomeriggio, maggio, giugno, luglio, il basilico, le api, il mare, le zucchine…le zucchine

Quindi innamoratevi, baciate, amate chi volete, dove volete, quando volete…

e che sia San Valentino tutti i giorni della vostra vita!

Cris…VeryCris

Se vi è piaciuto votate con le stelline e se volete fare un regalo cliccate sullo SHOP

[Voti: 6   Media: 4.8/5]

9 Febbraio 2021

Pantaloni stile smart…working

Adoro i pantaloni comfy, li trovo dotati di quella femminilità non provocatoria che amo, un po’ lounge un po’ utility ma senza rinunciare allo stile.

Dopo mesi passati a lavorare tra le mura di casa è ormai ufficiale: la “nuova normalità” richiede degli outfit confortevoli.

Pantaloni stile casual/elegante ampi, oversize, morbidi dai tessuti scivolati che liberano le gambe dalle costrizioni dei modelli slim fit e skinny.

Saranno il passepartout della quotidianità della primavera estate sia per il lavoro che per il tempo libero.

Mixati nel modo giusto, anche i pantaloni sportivi diventano un grande alleato in fatto di look, comodi ma anche femminili. In tessuti naturali e fluidi d’ispirazione anni ’90 che strizzano l’occhio alla contemporaneità.

Con pinces, cargo, pajamas, baggy, dalle linee morbide, a palazzo o balloon, con vita alta. Facciamoci un’idea, guardando le proposte delle collezioni estate 2021.

Ho selezionato per voi anche designer e brand emergenti, diciamo non solo i soliti noti.

Pantaloni baggy

Entrati a far parte del guardaroba femminile grazie al cinema e per la precisione grazie a Katherine Hepburn che ne ha fatto la sua divisa. Dal taglio maschile e sartoriale, vengono addolciti dalla scelta del tessuto che deve essere morbido e scivolato. quando il pantalone tende alla morbidezza, il top deve invece mantenersi più attillato, per avere un’allure sempre femminile. Ideali da portare con t-shirt o camicie aderenti, con le sneakers o scarpe basse e perché no anche con sandali flat.

Pantaloni con pinces

Morbidi a gamba larga, la resa finale dipende molto dal tessuto. Ideali in lino, in cotone leggero ma bellissimi anche in tessuti cangianti e morbidi che drappeggiano sulla silhouette appoggiandosi ai fianchi. Rigorosamente a vita alta.

Pantaloni morbidi dai tessuti eleganti
Jeans largo

Pantaloni con coulisse

Comodi da indossare. I pantaloni con coulisse sono l’essenza dello stile comodo. Grazie a quel dettaglio che scorre e stringe per adattarsi al corpo. L’importante è cercare modelli dai tessuti e colori originali e leggeri sia in tinta unita che in fantasia.

Pantaloni a zampa d’elefante

Dai tessuti morbidi, scivolosi, ideali di jersey per cadere dolcemente lungo le gambe e creare silhouette slanciate.

Pantaloni cargo
Pantaloni larghi e fluidi, proposti nelle fantasie esotiche
Pantaloni tipo tuta
Pantaloni baggy
Pantaloni alla caviglia
Completo monocromatico

Comodi e versatili al punto giusto, questi modelli declinati in materiali femminili e preziosi saranno il top della nuova stagione.

Non avete che l’imbarazzo della scelta…

Cris…VeryCris

Se vi è piaciuto l’articolo ditemelo con le stelline e condividetelo. Grazie!

Se volete visitare il mio SHOP cliccate QUI

[Voti: 5   Media: 5/5]

3 Febbraio 2021

Un trench è per sempre

Vista la stagione oggi vi parlo del trench, il capo più cinematografico che esista.

Il trench coat, letteralmente “cappotto da trincea”, nasce come capospalla militare maschile nel 1856.

Molti brand ne reclamano la paternità come Mackintosh, Burberry e Aquascutum e senza entrare nel merito e nella polemica, direi senza dubbio che il più famoso e iconico è il Burberry.

Dici Burberry e pensi immediatamente al trench, color kaki, a doppio petto con la cintura e la fodera interna tartan, questa è la realtà.

Malgrado la sua origine tutt’altro che glamour, attraverso le storie e le epoche, ha vestito generazioni di uomini fino ad entrare nell’immaginario collettivo come capo iconico dal fascino noir. Pensiamo a Humphrey Bogart, Peter Sellers, il tenente Colombo e il tenente Sheridan. Tutti personaggi la cui immagine è indissolubilmente legata al trench.

Negli anni ’60 è stato Yves Saint Laurent a lanciarlo sulle passerelle parigine in una versione femminile, raffinata e irrinunciabile.

Trench YSL

Portando così un capo, geneticamente britannico, allo status di tendenza dominante dello stile francese e ancora oggi conosciuto come un punto fermo di tutte le parigine alla moda.

Il trench, chic nelle sue linee pulite, semplice e disinvolto, con il suo colore tenue si coordina armoniosamente con la tavolozza dei colori parigini.

Fu amatissimo dalle grandi star del glamour come Brigitte Bardot, Audrey Hepburn, Principessa Diana, Jacqueline Kennedy, Marlene Dietrich, Jane Birkin, Kate Middleton, Emma Watson…e una lista infinita di altre bellissime donne.

Brigitte Bardot & Kate Moss
Marlene Dietrich
Meryl Streep – Catherine Deneuve – Marilyn Monroe
Sophia Loren & Monica Vitti
A colazione da Tiffany
Jacqueline Kennedy – Jane Birkin – Faye Dunaway
la nostra Franca Sozzani

Il trench è ancora oggi simbolo di stile classico ed eleganza e quindi come simbolo sottostà a delle regole precise.

Quali sono le caratteristiche che definiscono il trench?

Per essere veramente alla moda con il trench bisogna averlo traditional e giocare con gli accessori e gli abbinamenti.

Premetto che mi piacciono molto le innovazioni e le ispirazioni che vengono dalla storia del costume. Ma per quanto riguarda il trench, proprio perché capo iconico, lo preferisco decisamente il più possibile aderente all’originale.

Un trench ‘puro’ si distingue per alcuni dettagli, che in origine avevano anche funzioni ben precise.

Il tessuto principalmente era gabardine di cotone, con tessitura molto compatta che la rendeva idrorepellente e antivento.

Il colore tipico, il kaki , adatto a tutti e perfetto per il giorno.

Il modello originale è “doppio petto”, studiato appositamente per proteggere dal vento.

Le tasche oblique, ideali in guerra per contenere oggetti e per noi comodissime e femminili.

La fodera è in tartan per non farci dimenticare la provenienza britannica e poi diciamocelo dona un tocco di frivolezza.

Revers e colli pronunciati

La cintura che si può allacciare o no, poi vedremo come, deve esserci e anche la fibbia che però noi non useremo. In origine, aveva anelli in ottone per appendervi accessori.

E detto tra noi la cintura è fondamentale per segnare il punto vita e quindi donare femminilità, va quindi stretta bene intorno ai fianchi, con chiusura mai centrale, come le brave bambine, ma sempre verso il fianco sinistro. Quando il trench è aperto, la cintura va legata dietro la schiena con un nodo.

Altri elementi distintivi sono le maniche con taglio raglan che consentiva ampi movimenti delle braccia senza costringere, la mantellina posteriore, le spallette militari che davano la possibilità di apporre le mostrine militari, e lo spacco dietro per agevolare i movimenti.

ll trench perfetto arriva qualche centimetro oltre il ginocchio.

Oltre al modello classico, esistono altre lunghezze: la prima cortissima, praticamente una giacca, la seconda con lunghezza a metà coscia. la terza che arriva alle caviglie.

Vi voglio dare degli spunti per la scelta dei modelli prendendo come riferimento l’archivio di Burberry e che possiamo considerare riferimento anche per gli altri marchi.

CHELSEA dal taglio slim, sfiancato, decisamente più avvolgente e femminile. Spalle strette e vita aderente.

KENSINGTON il classico dei classici, quello iconico.

CHELSEA

SANDRINGHAM dal taglio sartoriale con busto più aderente.

SANDRINGHAM

ISLINGTON classico trench reinterpretato con una silhouette aderente e un taglio leggermente più corto.

WESTMINSTER modello classico con un taglio più morbido e maschile

ISLINGTON & WESTMINSTER

WATERLOO dalle linee più allungate e dalla vestibilità comoda. Pensato per un look a strati e per essere abbinato a capi sartoriali.

WATERLOO

PIMLICO linea dritta, monopetto con dettagli minimalisti e una silhouette lineare.

PIMLICO
Abbinamenti

È molto facile apparire alla moda con un trench. Può essere indossato con qualsiasi vestito, jeans e gonne, e pantaloni morbidi o dritti. Io personalmente giocherei molto con gli accessori, come per esempio sostituire la cinta con un foulard.

Vi lascio alcuni spunti di street style per i vostri outfit.

Aggiungi un trench all’elenco dei capi basici del tuo guardaroba.

Cris…VeryCris

Date un’occhiata alle offerte del mio SHOP ,

e se vie è piaciuto l’articolo votatelo con le stelline, Grazie !

[Voti: 7   Media: 4.3/5]

28 Gennaio 2021

Made in Italy, oggi vi racconto la storia…

Made in Italy, nulla che abbia veramente valore si costruisce in un giorno.

Il successo della moda italiana è frutto di una lunga storia. E’ partita dal glamour del cinema e dalla sensualità delle grandi dive americane che ne sono rimaste ammaliate.

Un fascino che nel corso dei decenni si è ampliato come un’eco e che continua fino ai giorni nostri.

Il meraviglioso percorso segnato da momenti topici, nel quale la presa di coscienza delle qualità e dell’identità della moda italiana, sui mercati esteri, si è sviluppata è consolidata.

Occasioni, eventi e specialmente personalità creative e visionarie hanno creato l’imput, la partenza, la scintilla del nostro successo. Ma partiamo dall’inizio.

C’erano una volta gli anni ’50...

La moda italiana era messa in ombra, oscurata dal prestigio e dalle innovazioni della moda francese che si divideva tra Cocò Chanel e Christian Dior.

Le nostre bravissime Sorelle Fontana godevano già di una notevolissima popolarità tra le nobildonne romane. Popolarità che però rimaneva confinata tra le mura della città eterna.

Fra le tre sorelle, Giovanna era la “manager”, si occupava dei contratti, degli affari e dei pagamenti. Zoe era la “creativa”, sempre a caccia delle ultime tendenze da riversare nella creazione degli abiti e Micol era “il piccione”, come la chiamavano le sorelle, il cui compito appunto era andare in giro per il mondo per sponsorizzare le collezioni dell’Atelier e seguire le commesse dall’estero.

Nel ’49, grazie a Cinecittà l’eco della bravura delle nostre stiliste, arrivò fino in America e precisamente alle orecchie di Linda Christian che scelse proprio loro per confezionare l’abito da sposa per il suo matrimonio con Tyrone Power. Lo sposo, per non essere da meno scelse il sarto Caraceni per il suo vestito.

Fu un evento mediatico senza precedenti, che fece aumentare a dismisura la popolarità delle Sorelle Fontana e di Caraceni . Trasformò Roma nella “Hollywood sul Tevere”.

Da quell’evento tutti i riflettori di Hollywood e delle sue divine si concentrarono sugli atelier della capitale.

Ava Gardner si faceva vestire solo dalle Sorelle Fontana sia nella vita privata che sul set. E’ una loro creazione il famoso abito “ Pretino”, ripreso poi per Anita Ekberg nella “Dolce Vita” di Fellini.

Anche Margaret Truman, figlia del Presidente degli Stati Uniti Harry S. Truman, le scelse per il corredo oltre che per il vestito da sposa. Vestirono anche Jakie Kennedy, Soraya, Liz Taylor, Mirna Loy, Barbara Stanwich, Michelle Morgan…

Ed ecco che l’Italia divenne non solo la culla della moda ma anche il “paese del bel vivere”. Roma diventò meta fissa delle stelle del cinema. Spasimavano per la nascente silhouette a vita stretta con décolleté in evidenza, per le ampie e lunghissime gonne, per le scollature su schiena e spalle, tipiche dello stile italiano.

Il costumista Piero Gherardi realizzò per Anita Ekberg il leggendario abito nero con scollo a cuore e spacco vertiginoso che iconizzò la procace attrice e la fontana di Trevi.

Sull’onda di questo sfavillio della moda romana si fece strada l’intuizione del conte Giovanni Battista Giorgini, brillante imprenditore e aristocratico, fiorentino di grande charme, che decise di presentare l’Alta Moda italiana ai compratori esteri in un unico evento.

Un salto di qualità notevole, non più Haute Couture, pochi abiti realizzati per pochi eletti, ma una moda da boutique, sempre di qualità molto alta, ma per un più alto numero di persone. Quindi non più abiti su misura ma abiti in taglie.

Seconde linee che si ispirano alle creazioni più esclusive, su misura, ma semplificate nei tagli e rese più accessibili al pubblico.

Nel ’51 Giorgini radunò, nella splendida cornice di Villa Torrigiani a Firenze, un gruppo di stilisti e couturier che arrivavano da Roma e Milano, e organizzò “the first italian high fashion show” .

Gli inviti furono selezionati e recavano una specifica clausola:

Lo scopo della serata è di valorizzare la nostra moda. Le signore sono vivamente pregate di indossare abiti di pura ispirazione italiana.”

Il successo fu tale che ne fu organizzata un altra l’anno successivo nella sala bianca di Palazzo Pitti che ebbe un successo stratosferico.

Grazie a questa intuizione, l’Italian Look trovò la propria consacrazione sfilando nei grandi saloni rinascimentali fiorentini. Una giovanissima Oriana Fallaci inviata per Epoca, ne fece la cronaca.

G:B. Giorgini
Ballo-in-casa-Giorgini,1951,-Simonetta-Visconti-(a-sinistra)-con-alcune-compratrici-americane.

Tra il pubblico figurarono i più importanti buyers americani che videro nella cosiddetta moda-boutique un prodotto eccellente per il mercato d’oltreoceano e per la grande distribuzione di fascia alta. Creazioni realizzate in piccoli laboratori, con qualche decina di artigiani che potevano garantire una produzione per qualità e costi, perfetta. Lo stile incontrava la qualità dei materiali e della confezione sartoriale in un prodotto realizzato su scala sufficientemente ampia da poter servire le più prestigiose catene di grandi magazzini.

Firenze – sala bianca-1951

Da quel febbraio 1951 in poi, a quelli originari si sarebbero aggiunti nuovi talenti: Capucci, Galitzine, Krizia, Valentino e Mila Schön.

Nacque il prêt-à-porter italiano!

Sfilata-in-Sala-Bianca,-luglio,-1955
1956
A metà degli anni ’50 si delineò in Italia una sorta di distribuzione dei compiti, caratteristica del Made in Italy, che si sarebbe poi perfezionata negli anni successivi.

Nel 1962 viene costituita la Camera nazionale della moda italiana, cui aderirono anche le case di moda milanesi.

Roma si sarebbe dedicata all’alta moda, Firenze alla moda-boutique, Torino e Milano all’abito di confezione e alla produzione dei tessuti.

Siamo nell’ottobre 1965 e la mitica Diana Vreeland deciderà di pubblicare nel numero più importante di Vogue, un servizio dal titolo “The Italians” per presentare i nuovi stilisti italiani in tutto il mondo.

Nell’editoriale in bianco e nero due altere modelle spiccavano tra colonne, capitelli e balconate definendo le linee e lo stile di quel che sarà riconosciuto per molto tempo a seguire come il Made in Italy.

Vogue


Vogue

Figura di spicco del Made in Italy, insieme a Giorgini, fu Beppe Modenese, che di Giorgini fu stretto collaboratore.

Uomo dal fascino incredibile e dotato di un’eleganza di modi naturale, molto amato dal dal jet-set internazionale fu definito con affetto da Vogue America “Minister of Elegance”. Organizzatore di eventi incredibili, il 3 ottobre del 1979 inventò il concetto stesso di Fashion Week, il Modit: tre giornate di defilè con 19 nomi in calendario, il vero inizio della moda a Milano.

Consulente di grandi aziende, consigliere fidato di molti stilisti, come l’amica Laura Biagiotti, il suo nome divenne sinonimo di certezza per tutti coloro che avessero degli interessi nel mondo della moda.

Trasformò Milano nel cuore della moda italiana.

Ora che conoscete la storia del Made in Italy sono certa potrete esserne orgogliosi come lo sono io.

Per me lo stile italiano è una filosofia che fa parte di un patrimonio culturale, fatto di storia e di familiarità con il bello. E’ alleanza, sinergia tra creatività e imprenditoria.

E’ un particolare approccio al design e alla realizzazione, è un pensiero completo, avvolgente nel quale creatività, inclusione di tradizioni culturali, spirito solare e moderno ne sono il dna.

E’ il contrario dell’iperspecializzazione (tanto in voga in questo momento), è visione globale che vive nel legame tra abilità del saper fare, creatività e imprenditorialità.

Il Made in Italy è l’accordo armonioso tra l’impulso iniziale, il percorso per realizzarlo e il manufatto finito, è poesia.

Io ne sono pazzamente innamorata, è il carburante del mio lavoro, è il sentimento che accompagna ogni mia creazione.

Buon “Italian life style” a tutti !

Cris…VeryCris

Se vi è piaciuto l’articolo ditelo con le stelline, grazie !

[Voti: 6   Media: 5/5]

23 Gennaio 2021

Ispirazione senza tempo 1968 – Betty, Loulou & Yves

L’ispirazione è energia, è la sensazione che un’idea sia possibile.

“ Tutto ciò che vive crea un’atmosfera intorno a sé, l’artista è quell’anima eletta capace di coglierla.” (Goethe)

La musa è colei che crea l’atmosfera e per per un couturier che è l’anima eletta, coincide spesso con la modella, cioè con colei che oltre a stimolarlo, incarna la sua ispirazione, nel senso che la rende fisica.

E’ come se la musa fosse il punto di arrivo di un percorso creativo, mentre è ancora in atto. L’immagine concreta di un ideale mentre ancora lo si sta cercando, lo si sta immaginando. La musa è la creatura che genera il suo autore.

Yves Saint Laurent arrivò a dire che : “Una vera modella può anticipare la moda di dieci anni”.

Ed è proprio di Yves Saint Laurent che vi parlerò oggi.

Precursore di mode e modi, uomo dalla vita travagliata e complessa, dalla personalità caratterizzata da alternarsi incessante dello yin e dello yang.

Per YSL una sola musa non era sufficiente, la sua complessità, la sua visione della moda, aveva bisogno di due figure complementari e agli antipodi, per concretizzarsi. Una ha rappresentato il lato gioioso e la frenesia della creazione, la seconda il lato oscuro, notturno, destabilizzante del genio. Da un lato il femminile e dall’altro il maschile, come dicevamo lo yin e lo yang.

Loulou de la Falaise e Betty Catroux sono state entrambe muse indispensabili e rappresentative di uno stile che seppur personalissimo poteva vestire donne diversissime e uniche.

Sono state la boccata di futuro per YSL, da cui ha attinto la loro modernità per immaginare la donna che le altre donne avrebbero desiderato essere prima ancora di saperlo.

Queste due icone capaci di ispirare il lavoro di YSL per una volta e per tutta la vita, sono diventate, insieme al suo compagno e socio di sempre Pierre Bergé, la sua famiglia.

Una famiglia che ha inglobato tutti gli aspetti di sé stesso, quelli temuti, quelli desiderati e quelli a cui tendere, che poi hanno rappresentato la vera ispirazione.

Un mondo parallelo suggellato dall’arte, intriso di glamour e di amore.

La ricerca costante di un bilanciamento di contrasti interiori ed estetici, di un equilibrio creativo perfetto raggiunto attraverso le relazioni che si creano tra corpi e menti.

Yves Saint Laurent rispettava, amava e ammirava le donne, lo faceva con un sentimento pulito e gentile, espressione della sua indole e signorilità, mettendone sempre in risalto la bellezza.

Loulou de la Falaise, aristocratica hippy, diventò prestissimo un tassello fondamentale nell’immaginario creativo di Yves. Il suo bicchiere mezzo pieno, il suo angelo custode. La personificazione del glamour che dà corpo ai sogni del couturier.

Bella, solare, irriverente e assolutamente charmante. Il lato nomade di Yves.

Britannica e parigina allo stesso tempo, delicata ed elegante, aveva stile e giocava con le etichette. Instancabile lavoratrice, creativa di gioielli e accessori, amava la moda e aveva talento.

Stravagante e poetica Loulou aveva incontrato Yves nel 1968 durante una visita ad un comune amico. Aveva la passione per i colori, possedeva il dono dell’eccentricità e uno charme impalpabile e bohémien che fece innamorare istantaneamente Yves. Pochi anni dopo entrerà nella maison su richiesta dello stilista stesso e diventerà rapidamente una delle sue collaboratrici più fidate.

Gli darà un contributo significativo portandolo a riscoprire il colore, i mélanges e l’associazione dei contrasti. Resterà al suo fianco per 30 anni come musa e collaboratrice instancabile, creando gioielli e cappelli per la maison di haute couture, oltre che come amica, confidente e compagna di viaggi e di lunghi soggiorni a Marrakech.

Le muse, che siano la quintessenza della raffinatezza o anime inquiete e ribelli, hanno qualcosa da dire oltre che da mostrare e il loro fascino è ancora più importante della loro bellezza.

Yves Saint Laurent che fu un innovatore instancabile, costantemente votato a modernizzare l’immagine della donna fu sempre attratto dalla dualità tra maschile e femminile, elementi contrastanti solo all’apparenza che troveranno per lo stilista un equilibrio perfetto in Betty Catroux, da lui stesso definita “il suo alter ego femminile”, “la sua anima gemella”.

Si incontrarono nel 1967 al ritrovo di Parigi “The New Jimmy’s”, diventando immediatamente inseparabili, fu attrazione a prima vista.

Eccentrica e ribelle, unica ed enigmatica, altissima, biondissima dai lineamenti scarni (frutto di anni di anoressia) e l’aspetto androgino e simile a quello di Bowie.

Furono l‘ambiguità, la versatilità e la modernità di Betty le caratteristiche che la resero, agli occhi di Saint Laurent, la sua controparte, il suo alterego femminile.

Laurent e Catroux diventarono immediatamente inseparabili annegando le loro comuni malinconie in baldorie notturne. Eccentrica e ribelle, Betty ha sempre rifiutato i diktat della moda che le venivano imposti dall’esterno vestendo sempre una sorta di uniforme che non abbandonò mai.

Nel suo guardaroba solo maglie a collo alto, pantaloni a sigaretta neri, blazer neri, raramente abiti da sera, jeans e abiti dal taglio maschile. Immancabili gli occhiali da sole neri.

Per Laurent, che stava lavorando per sviluppare una nuova estetica che chiamava “maschile/femminile”, il loro rapporto fu anche fonte d’ispirazione per la creazione di blazer dal taglio maschile. La Catroux divenne immediatamente ciò che il designer chiamava “l’incarnazione del femminile ideale.”

“Tu rappresenti per me non solo amore ma l’eleganza unica”

(Lettera di Yves Saint Laurent a Betty Catroux)

Betty ha personificato, meglio di chiunque altra, l’affascinante enigma di Saint Laurent e delle sue lunghe silhouette, celebrate in tutto il mondo e immuni alle mode passeggere.

La Catroux si rifiuterà sempre di lavorare per lo stilista ma lo ispirerà per tutta la vita sia con il suo stile che come devota confidente e amica di scorribande notturne.

È stato un colpo di fulmine quando ci siamo incontrati e non ci siamo mai lasciati. Dopo di che abbiamo vissuto solo per divertimento, noi due contro il mondo. Odiavamo la vita normale!“

(Betty Catroux)

Lolou e Betty erano le migliori amiche del mondo, anche se erano l’opposto l’uno dell’altra e insieme a Yves hanno formato un trio inseparabile.

 Durante il giorno Yves lavorava con Loulou, che era sempre felice. E la sera mi chiamava: “Va tutto male, non ce la faccio più, la vita è terribile”. Io, rilanciavo: “Come hai ragione! Andiamo a perdere la testa per dimenticare questo incubo che è la vita”. Loulou era esattamente l’opposto, trovava sempre tutto meraviglioso. Lei era il nostro Prozac.

(Betty Catroux)

Questa relazione di profonda affinità elettiva e amore, durata più di 30 anni con le sue muse, è all’origine delle creazioni di Yves, che ha trovando l’armonia negli opposti.

Ha reso popolare il completo pantalone, il trench, la sahariana, la pelle, i codici maschili riletti al femminile ma ha anche creato romantiche fantasie sartoriali e abiti dalla femminilità estrema e dalla linea ultra femminile.

“La creatività si manifesta nell’interazione tra i pensieri di una persona e il dialogo con qualcuno che la capisca”

Anche nella vita Yves Saint Laurent fu creatore di armonia.

Buona moda a tutte!

Cris…VeryCris

Se l’articolo vie è piaciuto ditemelo con le stelline! Grazie

[Voti: 7   Media: 4.4/5]

19 Gennaio 2021

Le righe e la moda – La storia di uno stile

La maglia a righe non è solo un trend del momento, ha una storia…ora ve la racconto

Parlare di moda potrebbe sembrare frivolo agli occhi di qualcuno, invece essa è in grado di dire tantissimo sia per quanto riguarda un periodo storico, sia la condizione sociale o culturale di una società, i sentimenti, le emozioni delle persone.

La moda ha un grandissimo potenziale comunicativo, è una realtà concreta e allo stesso tempo effimera. E’ un fenomeno collettivo e la sua mutabilità, sia nel tempo che nello spazio, ne è la caratteristica principale.

La moda ci dice molto (non tutto) della gente, delle strade, della cultura, della storia, delle paure e delle speranze di un momento storico che con determinati abiti si è attraversato.

Per esempio le righe, di gran tendenza oggi, sono sinonimo di spensieratezza, gioia di vivere, semplicità e fascino naturale e per questo hanno saputo conquistare il cuore e il guardaroba di molte donne e molti uomini. Nella storia hanno col tempo assunto significati diversi come anche le persone che le indossavano.

Le hanno indossate star del cinema ed intellettuali, ma sono anche state la divisa di prigionieri e schiavi.

Nel libro libro “ La stoffa del diavolo” di Michel Pastoureau racconta molto bene come nel medioevo le rigature fossero ritenute causa di disordine sociale. Infatti venivano indossate dai buffoni di corte, dai pazzi, da chi non era nella normalità, ovvero gli scarti della società, gli emarginati. Da qui “ il diavolo si nasconde tra le righe”.

Indossarle era considerata una forma di trasgressione, che segnava negativamente i giudizi delle persone, ed ecco perché carcerati li vestivano con la divisa a strisce.

Verso la fine del 700 però, durante la guerra d’indipendenza, diventa celebre il vessillo a strisce e quindi indossarle diventa un modo per affermare le proprie simpatie liberali.

E qualche anno dopo diventeranno l’insegna della rivoluzione Francese.

Facciamo ora un salto nel tempo fino all’ 800 e precisamente al 1858. La Marina Nazionale francese introdusse la divisa ufficiale da marinaio, descrivendone minuziosamente ogni dettaglio: la maglia (a maniche a lunghe) doveva avere 21 righe blu indaco per ciascuna delle vittorie di Napoleone, con strisce bianche due volte più grandi di quelle blu. Il design aveva lo scopo di renderli più facili da vedere in acqua in caso di emergenza. La maglia a righe è nota anche come “righe bretoni” perché era diffusa in Bretagna tra i pescatori che indossavano maglioni di lana (a righe) molto resistenti e adatti per ripararsi dal freddo durante le loro lunghe uscite in barca.

E chi se non la geniale Coco Chanel negli anni ’20 poteva sdoganare questa maglia da divisa tipicamente maschile, come capo femminile abbinandola a perle e rossetto e trasformandola in mise di tendenza elevandolo a simbolo dello stile chic balneare.

Da questo momento in poi la storia della shirt a righe nel mondo della moda è tutta in ascesa.

Divenne subito popolare tra le star, da James Dean e Brigitte Bardot a Edie Sedgwick e Audrey Hepburn…

Jean-Paul Gaultier ne farà il suo marchio di fabbrica indossandolo lui stesso e reinterpretandolo in tutte le sue collezioni.

È innanzitutto il potere evocativo di questo capo che conta per me, una nostalgiaE poi questo maglione alla marinara mi interessa per il suo lato graficoL’ho fatto in tutti i modi possibili e impossibili

In “ Vestivamo alla marinara” Susanna Agnelli racconta come nella sua infanzia passata in Versilia, lo stile marinaresco fosse una moda imprescindibile.

La maglia a righe orizzontali bianche e blu era già oggetto di culto e espressione di un modo di vivere.

La lista delle donne e degli uomini che ci hanno regalato dei veri momenti moda indossando la maglia a righe è lunga e trascende lo spazio e il tempo.

Con il denim: forma la coppia ideale per un outfit semplice. Per rendere più creativo l’abbinamento aggiungi dei gioielli sottili, labbra o unghie rosse, una grande cintura, rimbocca le maniche.

Con la pelle nera: ha la capacità di alleggerire l’aggressività una minigonna in pelle sexy o una giacca da motociclista rock. Usala come arma segreta quando i tuoi abiti sembrano troppo audaci.

Con la pelle scamosciata: è l’incontro di due personalità.

Con la mini gonna: il bon ton incontra l’audacia ed è subito amore.

Con i colori: fortunatamente, si abbina a tutti i colori, siano pastello o audaci, caldi o freddi, tutti vengono impreziositi da una classica marinière.

Con il leopardato: così originale, eccentrico e provocatorio, bisogna solo saperlo portare e dosare.

Con un trench e un paio di décolleté, è la perfetta divisa parigina anche se a me piace di più con delle sneakers.

Con la gonna midi a ruota: l’essenza del romanticismo, da abbinare ad un basco il gioco è fatto.

Con la salopette in jeans: per un look sbarazzino e fresco.

Con i pantaloni bianchi: per uno stile navy, splendido con il cappello di paglia e maxi cardigan.

Con i pantaloni blu/neri: a sigaretta o larghi con le ballerine, le sneakers o i tacchi è un classico facile ma sempre cool.


Con gli shorts e perché no con le bretelle.

Non c’è l’imbarazzo della scelta, voi quale combinazione preferite?

Non trovate che la moda sia anche decisamente divertente?

Se vi è piaciuto l’articolo votate con le stelline, grazie !!

A presto…

Cris…VeryCris

[Voti: 8   Media: 5/5]

10 Gennaio 2021

Giochiamo con i colori…collant e calzine revival

Colori questo inverno si portano così.

Velate o coprenti, coloratissime o fantasia, se cerchiamo un alleato chic per le rigide temperature invernali, possiamo sicuramente trovarlo nei collant colorati e nelle calze.

Le coraggiose che preferivano le gambe “nude look”, affrontando così il freddo polare, il vento e la neve, pur di essere glam, ora si possono sbizzarrire con i look più avventurosi ritornando alle calze e ai calzini.

Non più un semplice e a volte necessario accessorio per coprire le gambe, ma vero protagonista dei look invernali. Un tocco di colore per sfidare il grigio del tempo. L’idea è quella di stupire, creando un dialogo con il resto dell’outfit.

I colori sono i grandi protagonisti, un abito che spesso passa inosservato per la propria sobrietà, con calze e collant, rigorosamente coprenti e colorati, recupera personalità e fa risollevare l’umore.

S’indossano con gonne corte, shorts, spuntano da quel piccolo tratto che intercorre tra il piede e l’orlo midi, evidenziano le caviglie con i pantaloni e jeans slim, insomma non ci sono limiti. L’importante è scegliere le scarpe giuste e osare, sperimentare con ironia.

Scarpe francesine, stivaletti, anfibi, sandali, zoccoli, stringate, sneakers, tacchi alti, Mary Jane, non ci sono regole, se non quelle dettate dal buon gusto e dall’armonia con il vostro fisico e carattere.

Ora vi aspettereste dei consigli per gli abbinamenti, ma in realtà io reputo che siano veramente pochi e assai banali, tipo: i colori scuri snelliscono, i colori chiari e brillanti arrotondano le forme, le calzine corte spezzano lo slancio della gamba (basta quindi abbinarle ai tacchi). Le bionde si vestono con colori scuri, le more con colori brillanti, anche questo secondo me è un pensiero errato perché in realtà l’accostamento colori dipende dal carnato della pelle e non dal colore dei capelli.

La verità è che non ci sono dictat.

Quante volte vi è capitato di vedere indossati colori che voi mai avreste osato indossare o abbinare e trovarli eleganti e ricchi di charme?

L’unico mio obiettivo oggi è suggerirvi idee di look, di outfit, di abbinamenti, di palette colori inusuali e originali.

Questo articolo vuole essere pieno di idee che possano darvi il coraggio di osare, sperimentare, giocare, perché la moda è anche espressione di un modo di essere e chi meglio di voi stesse può scegliere giorno per giorno cosa indossare?

Buon divertimento:
colori tono su tono
Gradazioni di grigi

Abbinamenti colori tono su tono: indossando collant o calzine dello stesso colore della gonna o abito, con piccole variazioni in gradazione più chiari o più scuri.

Colori a contrasto

Giocare creando dei contrasti colori per creare un vero e proprio distacco, uno splash di colore. Cercate in questo caso di equilibrare lo shock con un altro piccolo dettaglio dello stesso colore( guanti, fermaglio per capelli, sciarpa, borsa…)

multicolor

Multicolor, uno stile street & pop, se volete esagerare, esagerate ! In questo caso dovete essere chiari dell’effetto “iper” che volete creare. Niente vie di mezzo!

Ed ora invece abbinamenti inediti:

palette 1

L’arancione si adatta benissimo alle fantasie tartan e con un colore come il celeste che ne riequilibra la potenza donando armonia cromatica.

palette 2

Un richiamo ai tipici colori autunnali.

palette 3
palette 4
palette 5
palette 6
palette 7
palette 8
palette 9

Voglio fare un breve intervallo per sottolineare un elemento moda che secondo me fa una gran bella differenza. Gli zoccoli, in tutte le forge, in tutti i colori sono il “must have” di questo inverno. Io ne sono pazzamente innamorata.

zoccoli

Da indossare sia con le calzine che con i collant o con tutti e due.

zoccoli Moi – palette 10
palette 11
palette 12

Questi zoccoli li potete trovare da MOI .

Spero che vi siate divertite e che vi divertirete ad osare.

Se questo articolo vi è piaciuto iscrivetevi al sito per rimanere aggiornate sul mio blog e sugli articoli dello Shop e condividete !

Grazie!

Cris… VeryCris

[Voti: 3   Media: 5/5]

6 Gennaio 2021

Françoise Hardy- timeless inspiration 1966

Françoise Hardy, un’introversa diventata icona.

Volendo scegliere una donna europea simbolo dello stile ye’-ye’ (movimento giovanile e conseguente moda degli anni ’60), non ho avuto nessun dubbio nel volervi parlare di Françoise Hardy. La sua musica sognante e il suo stile unico l’hanno portata a essere un personaggio cult e decisivo per il mondo della moda. Ispiratrice per Yves Saint Laurent e Paco Rabanne, anche ora, negli anni più recenti ha ispirato e influenzato il lavoro di Nicolas Ghesquière (dir. creativo di Louis Vuitton ).

Françoise Hardy tuta progettata appositamente per lei da YSL
Françoise Hardy- abito di Paco Rabanne

Françoise Hardy è alta m.1,72. Ha grandi occhi verdi, intensi e lunghi capelli castano-dorati. È sottile fino a essere spigolosa, con un volto dai lineamenti marcati ma gentili. Ma è la “nonchalance” la caratteristica più evidente del suo fascino ed è per questo che l’ho preferita rispetto a Jean Birkin o altre bellissime “madamoiselle” di quegli anni. E’, secondo me, l’esempio più rappresentativo di classe, carisma e stile tipicamente francese senza esibizione o costruzione. Un’introversa diventata icona. Leggera, persino fragile di una grazia unica e inimitabile, incarnava e incarna ancora il fascino fresco e vibrante, l’eleganza rilassata che associamo alle donne francesi.

Conosciamola più da vicino.

Nata a Parigi nel 1944, figlia di una ragazza madre, si fece regalare una chitarra per la maturità (si diplomò al liceo due anni prima a 16 anni e fu accettata sia nel prestigioso Sciences Po Paris che alla Sorbona). Imparò da sola a strimpellarla e a scrivere canzoni fragili e sentimentali in un suo personalissimo stile che poi sarà molto imitato. A diciotto anni diventò improvvisamente celebre cantando “Tous les garçons et les filles”, canzone simbolo del disagio adolescenziale che vendette milioni di copie nel mondo.

Dalla sua prima apparizione televisiva francese nel 1962, in un maglione verde oversize, indossato in modo sbarazzino con lo scollo a V sulla schiena, divenne l’usignolo parigino affascinando il pubblico e i fan non solo parigini. Poteva solo essere francese Françoise Hardy!

Il suo sound e il suo stile minimalista, in tempi di “hippitudine”, furono in breve tempo simbolo di come vestire alla francese, della frangetta alla francese, del blazer alla francese e delle ruches alla francese, delle magliette alla francese e ovviamente delle canzoni alla francese.

La Hardy raggiunse la fama da adolescente, attraverso la sua voce meravigliosa, la profondità della composizione e la colorata malinconia, ingredienti che le permisero di vendere milioni di dischi in tutto il mondo francofono e non solo. Ma ci vuole più della bellezza e delle canzoni orecchiabili per diventare il simbolo di un’epoca nel mondo della moda e della musica.

Quindi qual è esattamente l’essenza del fascino di Hardy e perché ancora oggi ci affascina?

La sua voce nuova e inscindibile da quei capelli che cadevano lisci e lunghi, per quel fisico asciutto, flessuoso, per quella sua malinconia romantica che la faceva ridere raramente e per quella sua aria un po’ enigmatica e misteriosa, una specie di delicato broncio. Per quel suo “Je ne sais quoi“, leggerezza romantica e seducente.

La verità è che sono una solitaria, una marziana. Da sempre. Ingenua come poche, non avevo alcuna coscienza di me”.

Nel 1965 cantò al Savoy Hotel di Londra partecipando al periodo della Swinging London, incontrò i Beatles, i Rolling Stones, indossò le minigonne di Mary Quant. Nel 1967 decise di fondare una propria etichetta discografica (Asparagus), pubblicando diversi album, in Francia e all’estero (compresa l’ Italia).

Ebbe corteggiatori molto famosi: Bob Dylan (che compose un poema per lei), Mick Jagger (che in un’intervista la definì la sua “femme idèale”) e David Bowie.

Con Mick Jagger e Bob Dylan

“Quando conobbi Mick Jagger rimasi fulminata: aveva un carisma incredibile. Un giorno, mentre giravo per Londra, da sola come sempre, me lo ritrovai davanti: mi fece un sorriso che avrebbe sciolto chiunque. Io, timida, ricambiai e tirai dritto. Tempo dopo lessi un’intervista a un magazine in cui sosteneva che fossi la sua “femme idèale”. Incassai i complimenti e basta.

E Bob Dylan?

La sua musica mi commuoveva. Scrisse un poema per me e una sera mi invitò nella sua camera d’albergo per farmi sentire in anteprima due inediti. Magro, scheletrico, aveva le unghie lunghe e le dita gialle, mi fece quasi paura”.

“Sono stato per molto tempo appassionatamente innamorato di lei, come sono sicuro abbia indovinato. Tutti i maschi del mondo e anche alcune femmine, lo sono stati, e lo siamo ancora”. David Bowie

Recitò anche in alcuni film di Jean-Luc Godard, di Claude Lelouch e in Grand Prix di John Frankenheimer che da un punto di vista della moda la lanciò nel pantheon delle icone di stile. Il film è incentrato sul circuito di Formula 1 con la Hardy che vestiva le uniformi dell’ambiente da corsa. È impossibile scrivere la storia dei jeans attillati o dei pantaloni di pelle senza includere il ritratto di Françoise nel film “Grand Prix”, così come il suo guardaroba fuori dal set durante le riprese del film.

Durante le riprese di Grand Prix
Fuori dal set di Grand Prix

Fu in questo momento particolare che la sua bellezza disinvolta e sempre così insolita raggiunse l’apice. Esaltata dall’energia del look da corsa, la sua figura flessuosa si prestava alla silhouette sottile e aderente delle pelli e dei tessuti delle tute da corsa.

Ma il cinema non era nel suo mood e dopo Grand Prix non ne fece altri.

Nel 1968, il suo manager le propose di fermare il tour per un anno, per potersi dedicare alla scrittura delle canzoni e a nuove registrazioni. Lei trasformò questa pausa da temporanea in definitiva decidendo di ritirarsi dalle scene e non tenere più concerti dal vivo.

Detesto viaggiare, andare in tournée per me ha sempre voluto dire soltanto stare lontana dall’uomo che amo, con la paura di non ritrovarlo al ritorno. Voglio fare solo viaggi intorno a me stessa”

Fu una regina nel nobilitare i look più semplici e un’attitudine per mixare al meglio capi ultra femminili ad altri più maschili. Il suo mood e stato qualcosa di chic non passerà mai di moda, un’aria di moderazione ed eleganza che l’hanno distinta dagli stili giovanili più audaci e popolari in Inghilterra e negli Stati Uniti.

Ha imposto il pantalone semi aderente, adottato persino dalla celebre Brigitte Bardot. Le scelte di moda di Françoise Hardy, i suoi tailleur bianchi Courrèges e il primo Smoking di Yves Saint Laurent. E nel 1967 ha dettato alle diciottenni di tutto il mondo: “Gonna lunga! Una spanna sotto il ginocchio!”. Anche così si costruisce un mito.

Tutto quello che indossava era molto chic, molto francese e molto indossabile anche oggi. Volete idee e spunti di stile?

la pelle nera, la dolcevita, i grandi occhiali
I jeans bootcut rigorosamente a vita. la docevita nera, gli stivaletti bianchi, il trench
le camicette con la rouges, gli shorts di pelle, gli stivali, la frangetta
i pantaloni di pelle aderenti, la camicia bianca, la bandana, gli occhialoni neri
il completo stile uomo rigorosamente nero, la camicia bianca con nastrino
il maglione melange fatto ai ferri
Una francese senza un cappello è una regina senza corona: un accessorio iconico da osare con altrettanto sfizio francese

Nel 2018 dopo anni di dura lotta contro la malattia e un’edema polmonare che, per un periodo, le ha compromesso la voce, Françoise Hardy è ritorna alla vita con un nuovo album.

Spero che questa splendida icona abbia affascinato anche voi. Se l’articolo vi è piaciuto condividetelo. Alla prossima !!

Cris…VeryCris

[Voti: 3   Media: 5/5]

4 Gennaio 2021

Floreale – add bloom

La fantasia floreale è una tendenza sempre di moda.

Non esistono più le mezze stagioni e non esistono nemmeno più le stagioni per le stampe bouquet, i boccioli e i diversi motivi botanici-floreali.

Puntare su qualche nuovo abito dalle stampe floreali durante la prossima sessione di shopping significa assicurarsi un capo passepartout da indossare in ogni occasione, anche nei mesi invernali.

Dona un tocco di colore e leggerezza ai nostri look autunnali che principalmente sono di colore neutro o scuro. Come vediamo nella moda street style, il vestito floreale rimane romantico, ampio e voluminoso, dall’atmosfera vagamente gipsy. I tessuti impalpabili o drappeggianti per donare cadenze fluide e gentili su ogni tipo di figura.

In caso di temperature fredde, non rinunciate al vestito a fiori, abbinatelo a un maglione soft, a borsette dal gusto retrò e a stivaletti color cuoio.

I motivi floreali sono da sempre, associati a un’idea romantica di femminilità. Ma questo schema è stato più volte contraddetto dai creativi che con le loro collezioni hanno reinterpretato il tema secondo altre prospettive.

Come per esempio gli inizi degli anni ‘90 le leggere vesti di viscosa a stampe floreali erano abbinate con pesanti anfibi Dr. Martens oppure indossate con cappotti oversize dal taglio maschile. Abbinamenti che hanno ancora secondo me il loro fascino un po’ bucolico e un po’ dirompente ma sempre femminile.

Versatile e iper-abbinabile, l’abito floreale è favoloso con giacche in jeans e sneakers. Casual chic con blazer oversize e stivaletti alla caviglia. Geniale da portare sopra pantaloni aderenti e stivaletti con il tacco, con giacca di pelle, con cardigan e stringate, con cappotto oversize e décolleté…

Gli abbinamenti da sperimentare sono praticamente infiniti. Se avete ancora dubbi sulla loro versatilità, vi basterà optare per abiti a fiori o gonne dalla lunghezza midi o maxi, a maniche lunghe e con stampe floreali dalle tonalità scure e intense per abbinarli con facilità agli altri capi e accessori invernali.

La fantasia floreale entrerà nei nostri armadi come un’ondata di aria fresca. Porterà con sé buon umore, tanto colore e qualche stravaganza, a testimonianza dell’irresistibile voglia di leggerezza che vive in ognuno di noi, malgrado tutto.

Vi lascio un po’ di spunti per concretizzare i vostri look invernali e non solo, perché appena si affacceranno le giornate più miti il vostro abito sarà sempre in voga…

Grazie per aver letto l’articolo, se ti è piaciuto condividilo e segui il mio blog.

Cris…VeryCris

[Voti: 3   Media: 5/5]

31 Dicembre 2020

Buon anno nuovo

Buon Anno Nuovo

Vorrei dire a tutti che il 2020 è stato un anno terribile… ma che se non cambiamo noi ce ne saranno un’infinità di altri anni terribili…compreso il 2021 quindi…

Auguro a tutta l’umanità di responsabilizzarsi rispetto agli eventi, di essere unita e solidale, di proteggere e rispettare la natura, di abbandonare e condannare tutti gli atteggiamenti che generano egoismo, avidità, soprusi, violenza sia verbale che fisica, di isolare gli sciacalli, approfittatori delle paure e debolezze altrui, di cercare di mettersi un po’ nei panni degli altri per quanto possibile prima di giudicare, di recuperare valori anche economico-finanziari alla portata d’uomo.

Il nostro Karma siamo noi e solo noi possiamo cambiarlo, voliamo un po’ più alti di così…

Buon anno nuovo a tutti !!!

Cris…VeryCris

[Voti: 1   Media: 5/5]

29 Dicembre 2020

Pierre Cardin

Pierre Cardin
Pierre Cardin ci ha lasciato…una bellissima eredità.

Anni prima della missione Apollo 11 e ben prima dell’uscita di “2001 Odissea nello spazio” di Stanley Kubrick , lo stilista Pierre Cardin, che nel 1950 fondò la sua etichetta omonima a Parigi, immaginava attivamente la vita sulla frontiera galattica. La sua moda dal mood stravagante ha dato contorni allo spirito culturale visivo e stilistico dell’era spaziale.

“Il mio capo preferito è quello che invento per una vita che ancora non esiste”, ha detto spesso, “il mondo di domani”.

Cardin ha reinventato la minigonna con silhouette geometriche affilate come rasoi, ornamenti grandi come gioielli, grandi cerniere e ritagli. Ha realizzato tute, merletti e tute di maglieria per qualsiasi genere. Materiali sintetici innovativi come acrilico, vinile, paillettes, lurex e metalli scintillanti spesso erano presenti nei suoi progetti. Ha lavorato con un materiale chiamato Dynel, un tessuto che poteva essere modellato a caldo in pieghe complesse, commercializzandone una versione con il nome Cardine. Progettista di completi, ha immaginato elmetti di vetro a cupola e cappelli architettonici in un colore a blocchi di colore. Ha prodotto abiti ultraterreni e ha catturato l’immaginazione del pubblico per un giorno in cui i viaggi nello spazio potrebbero essere all’ordine del giorno.

Pierre Cardin

Dall’abito a bolle al costume Mao, dalla moda cosmonauta alla moda unisex, all’abito modellato in fibre sintetiche. Pierre Cardin mostra un feroce appetito per la sperimentazione. Le sue forme costruiscono sagome geometriche basate su cerchi e triangoli; il loro volume scultoreo richiede che il corpo si adatti ad esso. Pioniere, Pierre Cardin ha portato l’arte di vivere giapponese a Parigi e l’ha portata in vita nelle sue collezioni. Un viaggio nei dintorni del 1960 in Giappone sarà decisivo per questo incontro con la cultura giapponese. Lì incontra Hiroko Matsumoto, una modella giapponese che lo accompagna a Parigi e diventerà la sua amante. Nella sua casa di moda, Mademoiselle Hiroko è stata la sua musa e la sua musa ispiratrice per quasi dieci anni.

L’innovazione era il suo mantra…

Pierre Cardin grazie per averci trasmesso il tuo immaginario !

Cris…VeryCris

[Voti: 2   Media: 5/5]

28 Dicembre 2020

Benedetta Barzini – timeless inspiration 1963

Benedetta Barzini: il fascino che resta immutato nel tempo.

Negli Anni Sessanta Diane Vreeland voleva modelle con personalità e cercava quella nuova bellezza a cui corrispondeva perfettamente l’italiana Benedetta Barzini dal volto irregolare e mediterraneo .Le fu presentata dall’italoamericana Consuelo O’Connell Crespi, all’epoca redattrice di moda, che la notò per strada.

Benedetta Barzini esordio con Diane Vreeland Vogue America

Benedetta debutta come modella nel 1963 a Roma per Vogue America ed entra così a far parte di quella costellazione di icone degli anni ’60.

Io non mi sono mai immedesimata nella follia del mestiere: perché, di follia, avevo la mia personale, che era anche più forte…Soffrivo di anoressia: ed è una malattia che ti tiene lontana dagli specchi, dal rivedere le tue fotografie, che ti fa scappare dal tuo corpo…”. ( B. B.)

Cominciò così, a vent’anni il suo esordio nella moda come modella. Benedetta pensò che sarebbe rimasta lontana dall’Italia solo qualche giorno, invece vi rimase per cinque anni. Gli obiettivi delle macchine fotografiche di Bert Stern, di Richard Avedon e di altri grandi fotografi, immortalarono quel suo particolare “volto” che metteva in evidenza una sofisticata interpretazione del look mediterraneo.

Barzini-Benedetta-1963-buccellati-collana
Benedetta-Barzini-in-Mila-Schon-Rome-1968
Benedetta-Barzini-Vogue-1965
Benedetta Barzini 1970 1965 con Moravia e Maraini

Benedetta Barzini la prima top model italiana degli anni ’60 è ancora bellissima, di una bellezza magnetica fatta di distanza, di quella distanza che crea appeal.

Mi è capitato di fare questo lavoro e mi ha insegnato tantissimo, ma all’epoca facevo quello che mi veniva richiesto e lo facevo al meglio. Non mi interessava il prodotto finito, mi interessava che chi lavorava con me mi dicesse: ‘abbiamo lavorato bene con lei, la richiamiamo’. Il risultato era il loro, non c’entravo io. Io facevo solo il mio lavoro” (Dall’intervista a Silvia Nucini su Vanity Fair )

Il suo lavoro lo ha fatto mantenendosi critica e distaccata, da intellettuale prestata all’immagine ed è in questa distanza che trapela il segreto del suo carisma.

Benedetta-Barzini-Vogue-1965-e-Sfilata-Marras

Il ritorno in Italia

Dopo 5 anni di vita da top model in America la Barzini tornò in Italia diventando una delle modelle predilette di Ugo Mulas, si dedicò poi alla famiglia, all’insegnamento sempre nel campo della moda e all’impegno politico. Negli anni 70 abbracciò da militante la causa femminista, diventando scrittrice e docente acuta e controcorrente di Antropologia della moda, in eterna lotta con un sistema che per lei significa sfruttamento del femminile.

Musa, modella, femminista, docente, giornalista, ribelle e anticonformista. Non si può definire Benedetta Barzini perché significherebbe inquadrarla in uno o più stereotipi che lei ha sempre rifiutato. Ma una cosa è certa, questa donna dalla personalità complessa e dall’intelligenza acuta ci ha regalato una delle conquiste che ha rivoluzionato il sistema moda, cioè che il fascino batte il tempo.

E’ il simbolo di un nuovo modo di vedere la moda, quello che va oltre l’idea che la bellezza debba per forza fondersi con la gioventù è una donna che non ha paura dell’età e del tempo.

Attualmente la Barzini è ancora modella, noi tutte, pensando a lei abbiamo bene impresse le immagini di una splendida donna orgogliosa delle sue rughe e senza trucco che sfila per i brand più prestigiosi come Armani, Gattinoni, Marras, Gucci…

J&W-Russia–fall-2013-Benedetta-Barzini
2012-Donna-Karan-Benedetta-Barzini
Benedetta-Barzini-per-Mila-Schön-Rocha-Anna-Molinari

Ogni volta che torna a sfilare o a posare per qualche fotografo, trionfante del rifiuto della chirurgia plastica e anche del trucco, tutti la guardano con ammirazione. Possiede tutt’ora un magnetismo che viene più dal pensiero che dal mestiere e l’innata capacità di riempire la scena:

“Da ragazza mi sono sempre detta: non lasciarti confondere da nulla”. ( B. Barzini)

Ha avuto ed ha ancora la capacità innata di nobilitare un abito, non solo attraverso la sua naturale eleganza, ma con l’intelligenza e la grazia che si rivelano attraverso la fierezza dello sguardo, la misura del movimento.

Ha dimostrato che non è la bellezza a contare, neanche nella moda, forse è la personalità, l’anima di una donna, ciò che resta dopo che la bellezza cambia o svanisce.

2017-Benedetta-Barzini-sfilata-Gregi-2012

Grazie a lei le donne ora, non sono più schiacciate sotto il peso di un’immagine di bellezza irraggiungibile, legata alla giovinezza e per questo è stata premiata per il suo impegno contro gli stereotipi femminili.

Stile ed eleganza sono attitudini che non svaniscono con il tempo, anzi, la consapevolezza e l’accettazione di sé esprimono la bellezza e la personalità.

Bene sarebbe ricercare una propria identità e difenderla senza timore riuscendo a non cadere nei clichè; è l’omologazione che va condannata! Non dobbiamo pensare sempre di essere costrette ad esibire la nostra bellezza e convincerci che non dobbiamo piacere continuamente.” ( Benedetta Barzini)

Rodo-campagna-2018-Benedetta-Barzini

Vorrei finire questo articolo riportando uno scritto di Antonio Marras a lei dedicato appoggiato sulle sedie della sala della sfilata a lei dedicata:

«Cara Benedetta è tanto che volevo scriverti, è tanto che volevo dedicarti una collezione, la cosa più preziosa che ho. Ho pensato a te nel scegliere tessuti e materiali, forme e volumi, ricami e intagli. È per te che ho scelto i colori». Si tratta di colori indefiniti e profondi, come rosa pallido, azzurro e amaranto; i colori dei quadri di pittori francesi dei primi del Settecento come Boucher e Watteau. «Ho pensato a te perché mi ricordi la Marchesa de Merteuil (la protagonista de Le relazioni pericolose di Pierre-Ambroise-François Choderlos de Laclos), libera dai cliche’ moralistici di una società che vive di apparenza. Perché sei unica e rigorosa e quindi puoi permetterti di essere cinica e sincera. E perché al contrario della Marchesa, hai vinto». (tratto da Il Corriere della sera)

Gucci, dopo aver reclutato Benedetta Barzini per la campagna Cruise 2020, ha chiamato la modella a posare anche per il lookbook della Pre-fall Donna 2020-21.

La musa rappresenta un punto d’arrivo ben superiore alla ’bellezza’ poiché non è legata alla temporalità della giovinezza.

Cris…VeryCris

[Voti: 2   Media: 5/5]

26 Dicembre 2020

Come un plaid…

Il motivo plaid, ha una storia lunghissima che, decennio dopo decennio si rafforza, è sempre uno degli stili più cool delle stagioni fredde.

La fantasia tartan o per l’appunto plaid è diventato emblema del guardaroba della donna contemporanea.

Trame scozzesi, fantasie a quadri, tessuti a quadretti, abiti in stile plaid, palette di colori caldi e avvolgenti che custodiscono secoli di storia e significati che vanno dalla tradizione alla ribellione dei movimenti degli anni ’70, reinterpretati nello stile eclettico, vera e propria ossessione di quest’anno.

street style

Fantasioso ma senza eccedere, di carattere ma sempre elegante, il motivo plaid piace a tutti perché è versatile: lo si può indossare su uno scamiciato a un evento o su una camicia a un concerto rock e risultare ugualmente impeccabili e credibili, senza scadere nella banalità.

Il tartan è rassicurante perché ciclico: ogni vent’anni ce lo troviamo nell’armadio sotto forma di gonna a pieghe, pantaloni, camicia, giacca, trench o cappotto. Ed è sempre attuale.

La fantasia plaid è tanto raffinata e classica sui capi strutturati di taglio sartoriale, quanto perfetta per lo stile di vita all’aria aperta, come le camicie, le giacche oversize e i cappotti.
È un pattern irrinunciabile dello stile preppy che ben si abbina ai maglioncini di cachemire e al velluto a coste ed è amato persino da chi preferisce un look più rock quando i quadretti vengono abbinati alla pelle, ai jeans skinny aderenti neri o grigi e ai capi dai tagli asimmetrici.

Se lo stile della fantasia tartan è molto versatile, lo saranno anche le scarpe da abbinare al look: a seconda del capo preferito si potranno indossare combat boots, stivaletti stringati, sandali col tacco grosso da portare sulle calze coprenti o calzetti molto di moda ora, stivali al ginocchio, mocassini e ballerine.

Sbirciate tra gli street style che ho scovato e scegliete il vostro capo preferito e l’abbinamento perfetto per il vostro mood.

cappotto plaid giallo Alexa Chung € 480,00
Cappotto plaid VeryCris € 120,00
Decoltè scozzesi Nicole Saldana Pumps Deborah €188,00
cappotto plaid mood VeryCris € 120,00
sabot tartan Manolo Blahnik € 650,00
Cappotto VeryCris plaid quadri grigio € 120,00
Pant tartan plaid blu VeryCris €80,00
mantella check plaid VeryCris € 90,00
ispirazione street style

Spero che le foto e i suggerimenti di acquisto vi siano stati di ispirazione

A presto…

Cris…VeryCris

[Voti: 2   Media: 5/5]

18 Dicembre 2020

Edie Sedgwick – timeless inspiration 1965

Cantami, oh musa…

Edie Sedgwick, palesemente bella e straordinariamente ricca, fu segnata da un’infanzia traumatica e dolorosa e dall’abuso di sostanze stupefacenti. Viso angelico e bellezza da copertina, grandi occhi da cerbiatto spaurito e fisico esile. Incarnazione dello stile Swinging Sixties, iconica e complicata “It girl” americana, salita alla ribalta come musa di Andy Warhol negli anni ’60, è ancora fonte di ispirazione per creatori di stile e d’immagine. Un esempio ne è la sfilata della primavera/estate 2013 di Marc Jacobs: in passerella modelle che indossavano magliette rigate e abiti dalle grafie pop. Lo sguardo, il trucco, le movenze esprimevano in modo innegabile da dove provenisse l’ispirazione: Edie.

Edie Sadgwick ispirazione sfilata Marc Jacobs 2013

Ci sono donne che possiedono quella scintilla di fascino indecifrabile, universale che fa scattare l’attrazione.

La breve, intensa, movimentata e tragica vita di Edie Sedgwick, la sua smagliante e rovinosa parabola attraverso l’America “che conta” degli anni Sessanta e della Pop Art, possiedono il carisma della leggenda. La sua immagine e la sua brevissima vita, contemporaneamente ricca di fascino ma anche inquietante e tragica è molto difficile da comprendere e anche da decifrare.

Per un brevissimo periodo, New York ha avuto una sua stella, una luminosissima cometa che per qualche mese ha oscurato tutto il resto.

Edie Sedgwick è stata mille cose in contraddizione fra loro: giovane ricca, biker, figura di spicco degli anni Sessanta, tossicodipendente, regina della scena gay, superstar del cinema underground, modella di Vogue, internata psichiatrica ma più di ogni altra cosa emanazione dell’immaginario artistico di Andy Warhol.

C’è qualcosa di importante in lei, nella parabola della sua vita, un mistero, delle domande che sono rimaste in sospeso e che non avranno mai risposta.

Quindi ho deciso che più che raccontare la sua turbolenta vita, preferisco che la sua immagine vi arrivi in modo molto personale, attraverso le voci delle persone che l’hanno conosciuta, frequentata, amata, odiata e che le sono state accanto per un periodo o per tutta la sua breve vita. Dai componenti della sua famiglia agli esponenti di quel mondo che tanto l’avevano affascinata.

Fu il produttore cinematografico Lester Persky ad organizzare l’incontro fra Andy ed Edie:

La sua bellezza era straordinaria. Era sempre circondata da quei mezzi personaggi un po’ falliti, ma lei aveva sempre un modo di atteggiarsi fantastico. E fu qui, a casa mia, davanti a questo tavolo di marmo, che li misi l’uno davanti all’altra. Ricordo che Andy tirò il fiato, fece gli occhi a palla, un suo atteggiamento tipico, ed esclamò: “Oh, ma è bel-liiss-simaa. Era rimasto proprio molto impressionato.”

Subito si instaurò tra loro una relazione simbiotica, tanto che lei si tagliò i capelli tingendoli di biondo perché si accordassero a quelli di Andy, insieme, lanciarono quello che è poi diventò il suo look iconico: sopracciglia accentuate, occhi marcati dall’eye-liner, orecchini fuori misura, mini-abiti a tubino indossati su spesse calze nere, minigonne vertiginose, vestiti ultra scollati e coat animalier.

Ebbe un ruolo fondamentale anche il Make-up, tutto concentrato sullo sguardo: occhi grandi e profondi marcati da righe nette di mascara, ciglia finte e sopracciglia folte e marcate. Ed eccoli lì dunque quei grandi occhi, un po’ da cerbiatta un po’ smarriti, aperti e curiosi verso il mondo.

Truman Capote a proposito di Edie:

È magnetica, eterea, smarrita e quando muove ogni parte del suo corpo staresti a guardarla per ore, con quegli occhioni intensi e scuri come due tazzine di caffè.”

Quello stile, così originale e lontano da ogni schema, entrò profondamente nell’immaginario collettivo di un’epoca. Un assistente di Andy Warhol ne fa questo sintetico ritratto:

“Indossa un cappello e una maglietta e fa tendenza. Edie è spontanea, vera, non è un’operazione di marketing è magnetismo puro.”

In quattro mesi, Andy ed Edie girano insieme undici film, il primo dei quali è Vinyl, una versione underground di Arancia Meccanica. Il critico d’arte René Ricard ricorda:

Edie e Andy! Dovevi vederli. Tutti e due vestiti allo stesso modo, maglietta dolce vita, T-shirt a righe. Andy indossava jeans di velluto nero, stivali a tacco alto: terribili, li odiavo. Quando li metteva non riusciva mai a stare in equilibrio, non riusciva mai a pettinarsi decentemente, poveretto. Edie si conciava in modo da somigliare a lui, ma l’effetto era tutto diverso! La T-shirt, le calze nere, gli orecchini lunghi; era di una bellezza sconvolgente.

Per il fotografo e pittore Robert Rauschenberg, Edie è così fresca e gradevole da mettere in risalto tutta la falsità che la circonda:

Mi sentivo sempre intimidito, imbarazzato, quando ero in sua presenza, perché lei era come l’arte. Intendo dire che era un oggetto creato con grande forza e grande efficacia.”

Edie

Naturalmente, tutto lo sfavillio di socialità e mondanità della vita newyorkese di Edie Sedgwick ha risvolti fatti di fitte ombre. È necessario rimanere fisicamente all’altezza del canone degli anni Sessanta, reggere tutte le feste, affrontare lo stress della competitività, essere sempre all’altezza degli standard sia intellettuali che mondani di Re Warhol. Il dirigente musicale americano Danny Fields ha dichiarato:

Le superstar erano una specie di forma precoce di movimento femminista. Erano brillanti, belle, aristocratiche ed indipendenti. Edie …e le altre. Erano quello che la Garbo e Bette Davis erano state negli anni Trenta. Le coccolavano tutti. Erano più in gamba di tutti gli uomini del giro. Tutti, dai ragazzini alle vecchie checche, si innamoravano di loro…proprio come le dive degli anni Trenta facevano innamorare gli uomini che le dirigevano, registi e produttori. Erano creature decisamente superiori e molto impegnate. Il genere di donne che tutti desiderano venerare. Vergini Marie, intendo. Ma erano anche persone molto distruttive: distruttive verso se stesse e gli altri. Cavalcavano l’uragano.”

Edie

Edie ha detto di se stessa:

Ero la Ragazza dell’Anno, la superstar e robaccia del genere. Facevo cose tipo…tutto quello che facevo veniva dal di dentro, immagino, era tutto motivato da disturbi psicologici. Trasformavo la mia faccia in una maschera perché non mi rendevo conto di essere bella, grazie a dio. Praticamente la distruggevo. Dovevo mettere ciglia finte nere e pesanti che sembravano ali di pipistrello, disegnarmi delle righe nere sotto gli occhi e raparmi i capelli, tagliarli e farmi le méches d’argento e bionde, tutte piccole manovre con cui reagivo alle cose che succedevano nella mia vita e che mi facevano stare male. Evadevo in un modo tutto fisico. E tutte queste cose le prendevano come una moda.”

A proposito del body nero Edie raccontò:

Quando ero con Andy . . .Ballavo jazz due volte al giorno . . . e sapevo che non avrei eccitato nessuno perciò ho indossato i miei body. . . e allora Vogue mi ha fotografato con i body e le t-shirts come se fosse una nuova moda.”

Il 26 novembre del 1965 Life scrive:

Questa ragazza dalla zazzeretta corta e dalle gambe eloquenti sta facendo per la calzamaglia nera più di quanto abbia fatto chiunque altro dai tempi di Amleto.”

Gloria Shiff editrice di Vogue durante una seduta fotografica, riconosce in Edie la sua gamma infinita di possibilità, la sua capacità di cambiare aspetto, la sua natura contraddittoria, che la fa passare dall’estrema esuberanza alla timidezza e ricorda:

Il viso di Edie non era una tela, era continuamente in movimento. Non si fermava mai…Sfoggiò tutta una gamma di atteggiamenti emotivi, come del resto è tipico di molte star. Adoravo il suo sorriso, quella sua aria da cerbiatto. La cosa stupefacente è che in quelle foto ha una faccia e un look assolutamente attuali, potrebbero comparire domani su qualsiasi rivista di moda. Non hanno data. (…) Fu una seduta incentrata sulla sua personalità: era una ragazza con della personalità. Non era per davvero una modella o una stella cinematografica: era una creatura del momento, una creatura incantevole, speciale.”

La giornalista e direttrice di Vogue America Diana Vreeland racconta:

Aveva un modo di camminare che sembrava un passo di danza; era così felice di essere al mondo. Una persona affascinante. Faceva pensare alla primavera, alla freschezza. Era pulita, trasparente, portava i capelli tirati indietro, quasi un’Alice nel Paese delle Meraviglie…Edie ballava divinamente, ed era l’unica cosa autentica in mezzo agli squali…Labbra di ciliegia e fossette nelle guance, nessuno poteva resistere al suo sorriso.”

Andava alla ricerca della vita, ma qualche volta la vita non arrivava abbastanza velocemente.”

Edie Sedgwick a proposito di Edie Sedgwick:

Ero un ottimo bersaglio per La Scena.”

Il regista Joel Schumacher racconta:

Dopo che ruppe con Andy e la cosa con Bob Dylan andò a monte, Edie voleva disperatamente fare la modella. Era incredibile in quel periodo…Era l’essenza totale della frammentazione, l’esplosione, l’incertezza e la pazzia che tutti vivemmo negli anni Sessanta. Quanto più eri provocatorio, tanto più diventavi eroe.”

A Natale, Edie Sedwick va a trovare la sua famiglia. Suo fratello Jonathan la ricorda così durante quelle vacanze:

Era davvero stranissima quando arrivò al ranch. Un manico di scopa, niente corpo, indosso le gonne più corte che abbia mai visto, ciglia super finte talmente pesanti che le facevano cascare le palpebre. Era un’aliena. Intuiva quello che stavi per dire prima che lo dicessi. Eravamo tutti a disagio. (…) Si vedeva chiaramente non solo l’insicurezza, ma lo smisurato bisogno d’amore…Ma era così difficile accettarla.”

Ormai la sua luce stava per spegnersi.

La moda dagli anni Sessanta in poi è stata profondamente influenzata dalla figura della Sedgwick. Sulle passerelle continuano a vedersi periodicamente corti capelli biondi abbinati a sopracciglia marcate, miniabiti, calzamaglie nere ed orecchini chandelier. Ora sta spopolando ovunque la moda del grigio, di cui Edie Sedgwick è stata la pioniera assoluta.

La modella iconicamente più importante degli ultimi venticinque anni,Kate Moss, ha una fisicità molto simile a quella della Sedgwick, e le assomiglia anche nei vizi pop.

Cara Delevingne ha le stesse sopracciglia scure abbinate ai capelli biondi e ha citato l’icona di Edie in un servizio di Patrick De Marchelier per Vogue China.

Curiosità: Edie era cugina di primo grado dell’attrice Kyra Sedgwick.

Devo ammettere che nello scrivere questo articolo, mi sono lasciata catturare anche io, guardando le immagini, leggendo della sua vita, ho provato emozioni varie e indubbiamente fascinazione. In certi momenti e in alcuni suoi sguardi mi è sembrato di rivedere Marilyn Monroe.

Vi lascio questo video da guardare, lei adorava ballare…

Aspetto le vostre sensazioni…grazie per la lettura!

Cris…VeryCris

[Voti: 2   Media: 5/5]

16 Dicembre 2020

La mantella è cult

La mantella, chiamata anche cappa è un indumento antico nella storia del costume: nasce come drappo, si sviluppa come mantello con cappuccio e nel Medioevo diventa una capo simile al poncho.

È solo nel Novecento, da Fortuny a Elsa Schiapparelli, che la mantella viene definita un indumento sartoriale a tutti gli effetti ed entra ufficialmente nel guardaroba femminile, senza mai più abbandonarlo, con accenti e rimandi stagionali.

Comoda, eclettica e carica di personalità viene riproposta con variazioni tipo poncho, addirittura come plaid appoggiato sulle spalle, come cappa, in lana, in tessuto, in pelliccia, leggere, pesanti, fantasia, unite… Ovviamente come tutti i capi che hanno un rimando al vintage, la cappa bisogna saperla indossare, ma grazie alla sua semplicità, sta bene quasi a tutte. Si può abbinare ai look più disparati donando sempre un tocco di charme e allure bon-ton mai banale.

mantella tinta unita classica
varie fantasie e tessuti
mantella street style
mantella street style
Mantella tartan scozzese

Da portare da sola quando il freddo concede un po’ di tregua, è ideale per movimentare un po’ il look. Aggiunge un tocco di stile ad abiti semplici oppure è l’alternativa più stilosa al cappottino.

Quando il freddo si fa più intenso permette la realizzazione di outfit stratificati e divertenti.

Si può indossare sopra il giubbino in pelle, su una giacca da tailleur, su un cappotto o addirittura sopra un piumino imbottito, sopra ad un maxi pull molto pesante o sopra un trench.

E’ un modello molto caro anche alle celebrità.

Avvolgetevi, strizzatevi, arrotolatevi e coccolatevi in questi maxi tessuti di lana, daranno vere soddisfazioni di look.

Sotto potrete trovare una selezione dei modelli più trend di questo inverno 20/21 con proposte per tutte le tasche, anche se penso che per esprimere il proprio look non ci sia mai bisogno di spendere troppo. Cliccate il nome del brand e vi troverete proiettate direttamente sui prodotti.

BUY VALENTINO & BUY MAXMARA
BUY GUCCI
BUY VERYCRIS & BUY VERYCRIS
BUY CUCCINELLI & BUY CHLOE’
BUY ALEXANDER MCQUEEN & BUY RED VALENTINO
BUY RED VALENTINO & BUY VERYCRIS

Se l’articolo vi è piaciuto, condividetelo, grazie!

Cris…VeryCris

[Voti: 1   Media: 5/5]

12 Dicembre 2020

Jean Shrimpton – timeless inspiration 1962

La più bella di tutte le modelle che ho conosciuto era Jean Shrimpton…lei stessa sembrava non avere consapevolezza del suo aspetto straordinario ” (Mary Quant)

Jean Shrimpton, soprannominata The Shrimp (traducibile in italiano come gamberetto), è stata una delle prime modelle al mondo. Cresciuta in una fattoria del Buckinghamshire, subito dopo il diploma alla scuola per modelle di Lucie Clayton, all’età di 18 anni ottiene alcune delle copertine più ambite del settore come Vogue, Harper’s Bazaar e Vanity Fair .

La Shrimpton incarnava la giovinezza della Londra degli anni ’60, contribuendo a definire lo stile e il mood dell’epoca: gambe vertiginose e sottili, ovale perfetto, occhi grandi color lavanda, sopracciglia disegnate ad arco, aria arrogante e scanzonata, combinata ad un misto di freschezza e malizia.

Ma quando ha veramente avuto inizio il successo di Jean Shrimpton?

La grande occasione di Jean arrivò nel 1960, quando fotografata dal grande David Bailey ne divenne la musa ispiratrice. Il sodalizio si trasformò anche in relazione sentimentale per 4 anni, ma il vero trampolino di lancio per entrambi fu nel 1962, quando andarono a New York per conto di Vogue UK. Il titolo del servizio era “New York: Young idea goes west”. Bailey la ritrasse tra le insegne dei ristoranti di Chinatown, nelle cabine telefoniche di Broadway, tra la gente o sopra i tetti di Manhattan e il risultato fu un misto tra un reportage e un servizio convenzionale: lo stile innovativo del fotoreportage, non solo catalizzò l’immagine di Jean come divina incontrastata ma segnò una nuova direzione alla fotografia di moda, un nuovo sguardo più fresco e al passo con i tempi.

Ph: David Bailey
Ph: David Bailey

Il bagliore fresco e il fascino pudico della Shrimpton rinfrescarono i modelli aristocratici degli anni ’60 in Gran Bretagna.

“Era magica. Al punto di essere la modella più economica del mondo – ti bastava utilizzare mezzo rullino e avevi il tuo scatto.” (David Bailey)

Nel ’65, quando ormai era già famosa, madrina del concorso ippico Melbourne Cup, partecipò all’evento in un abitino bianco, corto sopra al ginocchio e con un orologio da uomo al polso. La leggenda metropolitana dice che alla richiesta di promuovere i tessuti Orlon alla Melbourne Cup, Jane si sia trovata con poco tessuto per confezionare un vestito della lunghezza adeguata.

Alla Melburn Cup

Oh, non importa“, ha detto alla sua sarta. “Rendilo un po’ più corto, nessuno se ne accorgerà”. Ma nell’Australia conservatrice del tempo, il suo semplice vestito bianco, corto, indossato senza guanti e collant, destò non poco risalto e le immagini rimbalzarono ovunque e anche se le minigonne si erano già insinuate ovunque, in Gran Bretagna questo evento sdoganò gli orli più corti alle masse.

Famoso fu anche il ritratto informale, un dietro le quinte del fotografo Cecil Beaton di Jean e del suo Yorkshire terrier, durante le riprese di “Faces From Shrimpton”.

“Lei è l’unicorno, la cosa rara, quasi mitica” (Cecil Beaton)

ph: Cecil Beaton
Ph: Cecil Beaton

Al culmine della sua celebrità, nel ’69 la Shrimpton sfruttò la sua fama in difesa della giustizia sociale. Firmò un libro di protesta contro la partecipazione britannica alla guerra Nigeria-Biafra, nel bel mezzo di un digiuno di 48 ore, (vabbè, per una modella magari era quasi normale).

Alla manifestazione di protesta.

È stato divertente diventare famosa, ma mi sono stancata”, disse a un certo punto e nel 1976 si ritirò. “Avrei potuto guadagnare molto di più. Però ho scelto una vita semplice. Non sono mai stata ricca e non ho mai avuto rispetto per il denaro. Trovo che esalti la parte negativa delle persone“.

Ora gestisce un hotel insieme al marito e al figlio, nel bel mezzo della bellezza selvaggia dell’estremo ovest della Cornovaglia.

Oggi e ieri

“Ha qualche rimpianto per aver voltato le spalle alla vita che una volta conduceva?” “No“, dice, “ma io sono un’anima malinconica. Non sono sicura che la felicità sia ottenibile e trovo la banalità della vita moderna terrificante. A volte mi sento merce danneggiata. Ma Michele, Taddeo e l’Abbazia- Hotel hanno trasformato la mia vita.

La mitica modella Jean Shrimpton potrebbe essere tranquillamente una meravigliosa ragazza della nostra epoca, ancora oggi la sua immagine è estremamente moderna e chic… cosa ne pensi?

Seguimi per conoscere la prossima icona del 1963…

Cris…VeryCris

Ah, dimenticavo…dai un’occhiata al mio SHOP

[Voti: 0   Media: 0/5]