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Women’s fashion

Il terremoto Chanel

Amata e odiata, sfrontata per eccesso di timidezza, ribelle, anticonformista. Sempre pronta ad innamorarsi di uomini di ogni età, purché ricchissimi. Nulla la spaventa e non ha nulla da perdere.

Gabrielle Coco Chanel ora sa che è giunto il suo momento, è pronta per entrare nella leggenda.

Da poco superati i 30 anni, volto impassibile, si appresta ad uscire in passerella ad accogliere gli applausi della sua prima collezione.

Il pubblico è sotto choc, ma estasiato. E’ il 5 agosto 1916.

Tempo un anno e la stravagante e minuscola ragazza dagli occhi nerissimi sarà l’artefice della prima grande rivoluzione dello stile, passando alla storia come il “terremoto Chanel”.

Casacchine a tubo, cardigan dalla linea maschile, camicie con collo e polsini da uomo, gonne longuette a pieghe, pullover senza maniche e sopra ogni cosa, la sahariana.

Tacchi bassi, trucco pesante, una pioggia di collane, rigorosamente finte. Nasce la nuova intensa e stordente essenza N°5.

“Una donna non è mai elegante senza cappello. Io lo porto anche quando dormo”

E dal cappello inizia la sua nuova avventura. Piccole cloche leggere, baschi alla Raffaello.

Dal suo atelier Coco sembra dire:

la moda sono io”

Via le curve, mangiate di meno, via le stecche di balena, via le gonne lunghe e larghe, via gli chignon e i capelli lunghi”.

Si dice che il suo taglio alla garçonne se lo sia fatto una sera prima di andare all’Opera, in un moto di isteria, per rimediare alla bruciatura della chioma.

Ovviamente da scandalo, ma tutto è lecito.

Deve costruire il suo personaggio.

Ho inventato la mia vita perché non mi piaceva”

Coco detesta la menzogna, ma mente sempre. Agisce per sorprendere e per non annoiarsi, mitizza ogni sua piccola azione.

Trae ispirazione dalla sua personalità, basa il suo stile sul suo corpo, sulla sua diversità, sulla sua androginia. E’ audace, intensa, osserva tutto.

L’osservazione è la sua cultura.

Non ha gli strumenti per adeguarsi al mondo borghese, così lo attira a sé, al massimo della provocazione. Non vuole rispettare quel mondo ma adattarlo alla sua personalità e le piace il rischio.

“Le persone della società mi divertono più degli altri. Hanno arguzia, tatto, un’affascinante slealtà, una nonchalance ben educata e un’arroganza molto specifica”

Esercita il suo fascino su uomini e donne e ne diventa l’amante. Seduce Salvador Dalì solo per fare dispetto a Gala. A Picasso, ad una cena davanti a tutti, consiglia di smetterla di disegnare nasi storti e volti strabici.

Non capisco Pablo, perché tu abbia smesso di fare quei bei disegnini che facevi quando eri un morto di fame e le gambe per te erano gambe e gli occhi erano occhi”

Alloggiano tutti da lei: Cocteau, Diaghilev e Stravinsky che malgrado la moglie e 4 figli si innamora pazzamente di Gabrielle.

Ha innumerevoli liaisons sia con uomini che con donne.

Con il tenente Jacques Balsan, con il duca di Westminster, uno degli uomini più ricchi del mondo che però rifiuta di sposare.

Mio caro duca, di Signore di Westminster ce ne sono state tante. Di Coco Chanel ce n’è una sola. Perciò vi amo, ma non vi sposerò”

Con Boy Capel, miliardario inglese, vero amore della sua vita che le apre il primo atelier.

Vive un amore per Misia Sert, per Dimitri Romanov e per Erwin Rommel (quando non era ancora feldmaresciallo) ed ha una relazione con una spia del controspionaggio tedesco.

Accusata di collaborazionismo si salva grazie al suo amico Winston Churchill. Si ritira a Losanna fino al 1954.

Chanel risorge dalle sue ceneri.

Ha 71, anni Chanel torna in auge, riapre l’atelier di Rue Cambon che aveva liquidato nel ’38.

Fragile e sola, trova il coraggio e l’energia di reinventarsi solo per il gusto di contrastare Dior. Dichiara guerra ai look a trapezio e alle linee geometriche e trova una seconda giovinezza.

Ruba a Dior Marlene Dietrich, Jackie Kennedy e Katherine Hepburn, innamorate pazze dei suoi tailleaur.

E’ un trionfo!

Straordinaria artista, genio, “divina tiranna”, appassionata, collerica, seducente, icona indiscussa di questo secolo, semplicemente Mademoiselle Coco Chanel.

Cris…VeryCris

[Voti: 4   Media: 4.5/5]

Andrèe Putman un mito tra moda e design

Uno stile sicuro applicato a molteplici forme di linguaggio: giornalismo, moda, stilismo e una potente vocazione all’arredamento e alla progettazione che ha fatto di lei una figura di fama internazionale.

Andrèe Putman, designer parigina, donna bizzarra, chic e arredatrice d’interni. Essenziale ed eccentrica interprete della moda e dello stile, sottile e infallibile precorritrice di gusti.

UNA CULTURA ALL’INSEGNA DELL’ELEGANZA

Ha sempre avuto un rapporto disinvolto con la moda, una sorta di noncuranza, un atteggiamento ironico rispetto ai dettami dei trend in voga. Una donna estremamente raffinata ed elegante ma totalmente libera anche se in un contesto convenzionale. Ha sempre vissuto e vestito la sua idea estetica, è stata lei stessa protagonista della sua visione.

Si è sempre saputa vestire in maniera serenamente e consapevolmente eccentrica, senza tenere minimamente conto dei giudizi che avrebbe potuto generare. A Parigi fu una delle prime donne ad indossare i pantaloni e le giacche di foggia maschile.

Lo stesso Lagerfeld quando la vide la prima volta (negli anni ’60 ) definì il suo aspetto “chic e bizzarro”

MODA E ARREDAMENTO

Vissuta in un periodo nel quale habitat e moda erano considerati entrambi “fashionable”, ha sempre considerato questi due linguaggi parti di uno stesso universo: la definizione di design applicata alla personalità.

Ci si disegna anche scegliendo gli abiti del proprio armadio. Si definiscono secondo la propria estetica , proporzioni e forma, si stabiliscono abbinamenti e contrasti.

Si viene influenzati dalla qualità dei luoghi in cui si è vissuti.

Andrèe Putman ha vissuto i mesi estivi fino ai 21 anni in una proprietà di famiglia, un’abbazia romanica trasformata in abitazione. L’atmosfera austera, mistica e spoglia, legata ad un senso di atemporalità l’hanno senza dubbio influenzata oltre che nel design d’interni anche nel modo di vestire e di essere, costruendo il suo gusto estetico.

Capi di vestiario bianchi e neri come colori dominanti, con aggiunta dei grigi e dei sabbia. Un gusto particolare per le linee geometriche e i contrasti ritmici. Essenziale, ma non noiosa, rigorosa ma non seria, ha saputo imporre un’immagine estetica completamente soggettiva, sofisticata e libera.

Nel 1950 diventa giornalista di moda e design a Femina e successivamente a Elle, e dal 1958 al 1967 è direttrice artistica della catena di grandi magazzini Prisunic, dove recluta noti designer per la progettazione di accessori per la casa.

Andrée Putman non ha mai tenuto in mano una matita. Non è una designer, ma una direttrice artistica.

LE AFFINITA’ ELETTIVE

Nel 1965 Andrèe Putman conosce Karl Lagerfeld e si instaura tra loro immediatamente non solo una vera storia di amicizia, ma anche una sintonia estetica e professionale. Infatti lo stesso Lagerfeld le chiederà di arredare per lui degli spazi dandole piena libertà e fiducia.

Di amicizie nella moda Andrèe ne ha avute molte, ma la sua simpatia la rivolgeva a Thierry Mugler e ad Azzedine Alaïa con il quale ebbe un rapporto di amicizia molto intenso. Leggendaria organizzatrice di cene, è sempre stata “abitata dal cromosoma della festa e dell’accoglienza”

Oltre che essere una donna poliedrica e anticonformista amava ospitare e frequentare i salotti dei quali diventava il fulcro, proprio per il suo carisma e personalità, anche ironica.

Non è mai stata una donna “bella” secondo i criteri canonici ma ricca di charme e magnetismo. La sua silhouette, la sua acconciatura, le sue décolleté, i suoi accessori hanno partecipato alla costruzione di un personaggio fenomenale, trasformato in un vero mostro sacro dalle virtù assortite e prodigiose.

Giornalista di moda, promoter di giovani talenti dello stilismo degli anni settanta, poi interprete rigorosa e geometrica dell’arredamento degli anni ottanta, la Putman ha imposto il suo gusto e la sua estetica rarefatta e atemporale.

La sua opera non è solo da ricercare nella costruzione dei suoi prestigiosi hotel o appartamenti, quanto nella sua personalità che oscilla tra complessità e stravaganza, tra raffinatezza e umorismo. Il suo carattere e la sua immensa capacità di trasformare la sua visione estetica in oggetti concreti, in opere raffinate di cui l’eleganza è a sua immagine, l’hanno trasformata in mito ed icona.

“Non c’è una formula per unire le cose. Ma devi essere sincero. E se lo sei, per quanto possa sembrare strano, sarà un successo.”

Andrée Putman

Cris…VeryCris

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[Voti: 5   Media: 5/5]

Safari and the City

Tutti d’accordo nel rispolverare in chiave contemporanea lo stile safari?

Sì, ma senza sviare l’attenzione dalla donna moderna che vive e si muove in uno scenario prettamente metropolitano.

Con l’avvio della bella stagione, sale il desiderio di vestire con uno stile casual ma al contempo ricercato, raffinato e sobrio, avventuroso ed estremamente chic.

Cosa c’è di meglio di uno stile dallo spirito romantico e dall’anima avventurosa e libera?

Il mood safari-coloniale ci riporta immediatamente alle atmosfere calde di film come “la mia Africa” o “ il tè nel deserto” facendoci vivere atmosfere di terre lontane.

Il colore cachi, kaki, o haki o khaki in inglese, deriva dal nome persiano khak che significa “terra”, da cui deriva khaki che significa “di color terra”, fulcro e cuore di questo stile.

Infatti possiamo richiamare il coloniale anche solo attraverso i colori delle sfumature del deserto, l’ocra, il ruggine, le tinte speziate del pepe, dello zenzero, del pistacchio e lo zafferano. Tutte le tonalità che ricordano il colore del tramonto nella savana andranno bene, ma non dimentichiamoci delle nuances più chiare, come il bianco e il crema e il nero dello zebrato.

La suggestione del colore è tanto forte che spesso bastano anche solo pochi accessori giusti, qualche tasca a soffietto per richiamare lo stile safari-coloniale.

Tessuti di cotone, lino e seta dalle tinte naturali, garze, tessuti morbidi e leggeri, mocassini dall’aria coloniale, cinture di cuoio, tracolle in canvas, stampe animalier, pizzi, occhiali da sole maculati o da aviatore, secchielli o marsupi pitonati, cappello panama, stivali in cuoio, giacche con tasche applicate, abiti bianchi di lino o cotone, maxi borse di paglia intrecciata e cappelli…

Anche in mancanza della sahariana, capo principe di questo stile, potrai improvvisare il tuo look safari mixando anche solo pochi accessori particolari con dei pezzi basici.

Qui troverai alcune mie idee di mix and mach da prendere come ispirazione

giacca in pelle e gonna scamosciata
abito bianco in cotone
camicia e gonna in lino bianco
pant ecru e camicia bianca in lino
gonna e stivali
camicia color terra
tuta
verde
scamiciata
sahariana
camicia bianca e pant lino
completo crema con gonna e bianco con pantalone

Adoro questo mood che miscela perfettamente lo stile femminile e fluente ed elementi maschili e il tutto con rilassatezza e una nonchalance assolutamente chic.

Anche se questa estate rischiamo di affrontare solo la giungla urbana, lo stile safari è un ottimo look, non credi?

Grazie per avermi letto, se l’articolo ti è piaciuto, dimmelo con le stelline!

Cris…VeryCris

[Voti: 7   Media: 4.9/5]

La mia Africa…design e suggestioni

Chi non ha nel cuore le immagini e le atmosfere africane di “ La mia Africa” ?

“Io conosco il canto dell’Africa, della giraffa e della luna nuova africana distesa sul suo dorso, degli aratri nei campi e delle facce sudate delle raccoglitrici di Caffè. Ma l’Africa conosce il mio Canto? L’aria sulla pianura fremerà un colore che io ho avuto su di me? E i bambini inventeranno un gioco nel quale ci sia il mio nome? O la luna piena farà un’ombra sulla ghiaia del viale che mi assomigli? E le aquile sulle colline Ngong guarderanno se ci sono? “ (Karen Brixen)

La mia Africa è un film del 1985 diretto da Sydney Pollack, ispirato, anche se con alcune discrepanze, all’omonimo romanzo autobiografico di Karen Blixen.

La mai così splendida Meryl Streep interpreta la Blixen e Robert Redford impersona Denys Finch-Hatton, un cacciatore con cui la Blixen vive una romantica storia d’amore.

Oltre alla straordinaria poesia e bellezza del racconto e la meravigliosa ambientazione, questo film ha forse pochi uguali, in quanto a fascino dei costumi che per quanto mi riguarda, sono diventati loro stessi attori e protagonisti della storia. Il costume design è un processo creativo che a volte passa inosservato vedendo un film, amalgamandosi in modo naturale con la narrazione, la fotografia e le atmosfere, ma ne è un aspetto fondamentale, come la colonna sonora.

Oggi vi voglio regalare uno sguardo approfondito, un viaggio nei costumi e negli abiti del film…un idillio tra cinema e moda.

Milena Canonero
La designer

Partiamo parlando della italianissima Milena Canonero, costumista della pellicola in questione e di altri meravigliosi film come The Grand Budapest Hotel , A Clockwork Orange, The Shining , Marie Antoinette, Arancia meccanica. Super premiata e orgoglio per la nostra fama di creativi, la Canonero ha svolto un’approfondita opera di ricerca e studio per ricreare le atmosfere dell’era coloniale africana dal 1914 al 1924. Partendo da fotografie della vita reale di Karen Blixen in Danimarca, visitando le ambasciate e i musei di Nairobi e Londra, studiando gli abiti delle tribù native del Kenya con l’aiuto dell’antropologo Richard Leakley e indagando sugli abiti dei coloni europei dell’inizio del XX secolo. I costumi occidentali sono stati realizzati a Londra, mentre i costumi tribali in un laboratorio appositamente creato dalla Canonero a Nairobi.

Colori

Il colore come elemento narrativo ed emotivo per accompagnare la protagonista. Sfumature rarefatte di beige, terra, blu, verde o nero, per fondere poeticamente e delicatamente la protagonista nel paesaggio africano. All’arrivo in Africa, Karen, è vestita del caldo colore avorio.  I toni chiari si alternano ad altri kaki e sabbia per gran parte del film, fino a quando non parte per la Danimarca. I toni scuri nel periodo felice in Africa vengono usati solo negli abiti da sera per dare un tocco di eleganza. Tornata dalla Danimarca quando scende dal treno, la si vede indossare un vestito blu scuro. È allora che predominano i toni scuri, per evocare il periodo delle guerre che si stava vivendo in Europa. I colori vivaci sono stati invece riservati al guardaroba delle tribù.

Messaggi

Karen indossa sempre pantaloni e completi per andare a caccia, gonne lunghe e camicie per delineare il carattere liberale e forte della protagonista. Elementi come le cravatte quando è nella piantagione le conferiscono austerità e carattere autoritario. I tessuti di lino e cotone predominano, essendo i più adatti al luogo in cui si trova, ma non mancano anche indumenti vaporosi di seta, per capi delicati come camicie da notte e vestaglie, per non tralasciare il carattere romantico, sensuale e femminile della protagonista.

Sposa

L’abito da sposa in seta bianca della baronessa Blixen ha un design non perfettamente inserito nei canoni stilistici dell’epoca per confermare la sua personalità travolgente di donna moderna, intellettualmente caratterialmente in anticipo sui tempi. Milena Canonero è riuscita attraverso i suoi abiti, a rappresentare una donna indipendente, una combattente, una sognatrice romantica ma concreta con una visione che andava oltre i suoi tempi, come una donna del 21°secolo.

Dettagli e accessori

L’amore che la protagonista prova per la gente si esprime attraverso dettagli, come il modo in cui vengono indossate le toghe, simile a come fanno le tribù locali o le sciarpe colorate e le collane. Cappelli, stivali e spille sono gli articoli più comunemente usati per completare gli outfit da safari e la leggenda dice che molti accessorie fossero oggetti personali di Karen Brixen prestati per l’occasione.

Cappelli

La trasformazione dei cappelli di Karen è voluta per mettere in risalto l’evoluzione personale del personaggio e del suo cambiamento interiore. Lo stile borghese all’inizio, per riflettere l’eleganza e la distinzione della protagonista, per finire con cappelli safari o in paglia, per evidenziare l’adattamento al nuovo paese. Non più copricapo per moda, ma per uso pratico di protezione dal sole.

“ La mia Africa” mostra design affascinanti che hanno reso di moda lo stile safari anche oltre 30 anni dopo la sua premiere.

Quindi state pronte, il prossimo articolo sarà su come sfoggiare lo stile safari in città…stay tuned

Cris…VeryCris

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[Voti: 7   Media: 4.4/5]

Moda sostenibile…un’occasione importante!

La moda sostenibile riguarda il nostro stile e soprattutto la nostra sopravvivenza.

Di che cosa stiamo parlando?

Si intende l’obiettivo del comparto moda di creare una maggiore armonia tra i prodotti, l’ambiente e le persone.

Riferito all’ambiente sentirete l’espressione eco-fashion” e quando sono coinvolte le persone si sente parlare di moda-etica”.

Sì perché la moda sostenibile coinvolge il rispetto dell’ambiente e della società in tutte le sue fasi: dalla creazione, alla produzione passando per la distribuzione e la vendita e infine anche all’acquisto.

Tutte le fasi agiscono come pezzi di un puzzle per la realizzazione di una moda caratterizzata dall’attenzione alle persone, al loro benessere e allo sviluppo di un ecosistema favorevole alla salvaguardia del Pianeta.

Ma facciamo degli esempi concreti.

Il Fast fashion è una spina nel fianco. Una moda veloce e di bassa qualità, che sforna una collezione ogni 1/2 settimane non è assolutamente ecosostenibile.

La bassa qualità dei capi riduce il loro ciclo vitale e inquina.

Produciamo molto di più rispetto a quello che effettivamente viene comprato.

Le aziende di abbigliamento non sanno come smaltire lo stock invenduto. Molto spesso questo si trasforma in una mole di rifiuti per non creare una svalutazione della merce.

Le produzioni di questo tipo sono generalmente locate in paesi dove il costo del lavoro è basso e quindi dove gli operai sono in condizioni di miseria e sfruttamento. Non solo, ma anche in paesi dove i controlli degli inquinanti sono praticamente nulli. Oppure dove c’è un utilizzo massiccio di diserbanti nelle agricolture di cotone o dove l’emissione di CO2 nell’ambiente attraverso le industrie sono elevate, …

Consumiamo molto di più rispetto ai nostri reali bisogni.

Siamo spinti a comprare dal sistema fast fashion che pervade le nostre vite. Ci sollecita ad acquistare più del necessario e quindi a basso prezzo ma ad alto costo. Nei cartellini di questo tipo di prodotto si cela un secondo costo che stiamo tutti pagando in termini macroeconomici, umani e di salute.

La moda che dobbiamo sostenere è quella emozionale che dà valore a quello che indossiamo.

La moda di alta qualità è storicamente sostenibile ed è il dna del Made in Italy. Produrre capi realizzati rispettando il lavoro e la tradizione, attraverso materiali sostenibili e cercando di restituire qualcosa alla società, dovrebbe essere il nostro obiettivo.

Da qui nasce una tendenza che si manifesta con un ritorno alla misura artigianale, alla lavorazione manuale, alla suggestione del capo unico e durevole e alla moda circolare che allunga la vita dei prodotti e rigenera le materie prime.

In linea con il mio carattere, invece di approfondire i lati negativi del sistema moda attuale, voglio elencare tutti i lati positivi e i vantaggi del consumo consapevole.

  • Primo fra tutti senza dubbio il minore impatto ambientale che tutela la salute di tutti.
  • Il secondo vantaggio è il miglioramento delle condizioni dei lavoratori coinvolti nel ciclo di vita di un prodotto di moda. In particolare la produzione che molto spesso avviene in paesi in cui non vengono garantiti salari minimi o condizioni di lavoro accettabili, con ricorso a sfruttamento e abusi di vario tipo.
  • In terzo luogo, lo sviluppo della moda sostenibile può contribuire alla nascita di nuove tecnologie generando crescita economica
  • Il concetto di moda sostenibile spinge inoltre ad una re-valorizzazione delle tradizioni produttive dei vari paesi, portando consapevolezza sulle arti e le risorse interne di cui noi nello specifico siamo ricchi.
  • Infine la moda ecosostenibile sostiene l’attività lavorativa femminile, proprio perché le nostre maestranze sono perlopiù femminili.

Dobbiamo essere tutti coinvolti nello “switch” sostenibile, tutti possiamo contribuire alla costruzione di un nuovo sistema moda.

E’ arrivato anche il momento di educare i nostri figli alla consapevolezza rispetto a ciò che indossano. Greta Thumberg ha sollevato anche nei giovani la sensibilità ambientale e anche le scuole già da tempo si sono attivate.

La realizzazione è frutto di un laboratorio di rap inserito nel più ampio progetto “VIAGGIO DI UNA T-SHIRT NELL’ECONOMIA GLOBALE”, proposto ad alcune classi della Scuola Primaria e Secondaria dal “Laboratorio del Cittadino”
Acquistando un capo prodotto da un brand che propone una moda sostenibile, fai del bene all’ambiente e all’umanità.

Nei prossimi 20 anni essere ‘sostenibile’ sarà una caratteristica necessaria che ogni prodotto dovrà incorporare per accedere al mercato.

Già da adesso ci sono moltissimi brand che basano le loro collezioni sul rispetto dell’ambiente e delle persone.

Ricordiamoci che alla fine della filiera ci siamo noi che acquistiamo e quindi siamo noi che abbiamo l’arma più potente per spingere il mercato al cambiamento.

In conclusione, se è vero che lo shopping compulsivo, senza badare alle etichette, può farci sentire appagati anche se in modo illusorio, lo shopping sostenibile può fare di meglio: può salvarci tutti.

Vivere la moda in modo consapevole e sostenibile è possibile, basta lasciarsi guidare dalla volontà di rispettare il nostro pianeta, la nostra civiltà e anche la nostra economia, facendo attenzione a cosa si acquista.

Si può essere eleganti senza rinunciare ad essere sostenibili.

Grazie per l’attenzione !

Cris…VeryCris

Note per un approfondimento:

Il documentario “The True Cost” è un film che consiglio a tutti per meglio comprendere le implicazioni che le nostre scelte in fatto di abbigliamento e accessori hanno sul pianeta e le persone, nonché sul nostro futuro.

Se poi volete approfondire l’argomento vi consiglio alcune letture piacevoli e al contempo esplicative.

“La rivoluzione comincia dal tuo armadio” ( Luisa Ciuni – Marina Spadafora)

“I viaggi di una T-shirt nell’economia globale” ( Rivoli Pietra)

Le illustrazioni di copertina sono di @Bijou Karman

[Voti: 4   Media: 5/5]

Keith Haring – il genio del metrò

A trentun anni dalla sua scomparsa non posso non ricordare Keith Haring.

Ma chi era o meglio chi è?

Haring è indiscutibilmente uno degli esponenti più singolari del graffitismo di frontiera, uno dei più rilevanti autori della seconda metà del Novecento.

Genio, creatore di una nuova dimensione artistica fatta di colori, bidimensionalità e di grande impatto comunicativo, espressione di una controcultura socialmente e politicamente impegnata.

Con la sua arte ha dato voce a temi sociali profondi, impegnativi e di forte impatto: la la droga, la discriminazione verso le minoranze, la minaccia nucleare, l’alienazione giovanile, l’arroganza del potere, l’Aids (di cui è morto).

«Un giorno, viaggiando in metropolitana, ho visto un pannello che doveva contenere un messaggio pubblicitario. Ho capito subito che quello era lo spazio più appropriato per disegnare. Sono risalito in strada fino ad una cartoleria e ho comprato una confezione di gessetti bianchi, sono tornato in metropolitana e ho fatto un disegno su quel pannello. Era perfetto, soffice su carta nera; il gesso vi disegnava sopra con estrema facilità» Keith Haring

La sua arte quasi infantile, è dirompente, dissacrante e divertente al tempo stesso.

Warhol—Keith-Haring

«L’arte deve essere per tutti e dappertutto».

(Keith Haring)

Cris…VeryCris

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[Voti: 4   Media: 5/5]

Oh, l’amore!

Parlare d’amore rende immediatamente più positivi e pieni di energia e quindi eccomi pronta a sondare insieme a voi i risvolti misteriosi di questa cosa astratta che muove il mondo.

Ma che cos’è l’amore?

E’ stato studiato, filosofato, pensato e vissuto da romantici, filosofi, poeti, musicisti, pittori ecc. fin dagli albori della razza umana.

Filosofi e scienziati hanno cercato di rispondere a questa domanda da sempre.

Secondo gli antichi greci esistevano tre forme di amore: Eros – Philia e Agape a cui oggi potremmo dare il nome di Passione- Amicizia e Benevolenza.

Nell’era contemporanea lo psicologo americano Robert Sternberg sostenne che l’amore può essere compreso attraverso tre componenti che manifestano ognuno un aspetto diverso. E a me già questa cosa piace, perché sono certa che esistano molti tipi di amore, ma forse anche più di tre, ma partiamo da questi.

L’intimità che si riferisce ai sentimenti di contatto, vicinanza, affinità, connessione, legame, calore,condivisione e tenerezza.

La passione che include l’attrazione sia mentale che fisica, il contatto, l’eccitazione e le pulsioni che conducono al desiderio.

L’impegno che si riferisce, nel breve termine, alla scelta della persona per cui si prova un sentimento d’amore, e nel lungo termine, al proprio impegno a mantenere vivo quell’amore.

Secondo Sternberg, questi 3 punti costituiscono, sia interagendo tra loro che in autonomia, quel meraviglioso sentimento che ha ispirato migliaia di canzoni, romanzi e poesie, film, quadri e tutte le forme dell’arte.

il bacio Klimt – “V-J Day in Times Square” di Eisenstaedt

Io invece vedo l’amore un po’ come un caleidoscopio del “sentire” se stessi e l’altro.

Il caleidoscopio si serve di specchi e frammenti di vetro o plastica colorati che pur differenti per forma e colore creano una molteplicità di strutture simmetriche e armoniose. Si specchiano, si riflettono, si compensano, contrastano, si amalgamano in un continuo movimento, creando continuamente immagini nuove pur rimanendo sempre sé stessi.

Ecco per me l’amore può essere anche immaginato così, come la meraviglia che si crea da un caleidoscopio.

Diego Ruvidotti musica originale

Non ci sono dubbi sul fatto poi che l’innamoramento sia una forma transitoria di follia e che si possa rimanere innamorati tutta la vita, sempre in maniera diversa.

Si può essere innamorati di sé stessi come dicevano Orcar Wilde:

“amare se stessi è l’inizio di una storia d’amore lunga tutta la vita“

e Frida Kahlo:

“Innamorati di te, della vita e dopo di chi vuoi”.

Si può essere innamorati della vita, dell’amore, di un uomo, di una donna, di un luogo, della musica, dell’arte

L’importante è

mantenere quel pizzico di follia sempre viva !

Vancouver-riot-kiss-di-Richard-Lam
L’amore Frida Kahlo

L’amore? Non so.
Se include tutto,
anche le contraddizioni
e i superamenti di sé stessi,
le aberrazioni e
l’indicibile,
allora sì, vada per l’amore.
Altrimenti, no.

Mantenere intatti in noi quei piccoli diamanti che si chiamano romanticismo e spontaneità infantile.

Roberto Benigni (La tigre e la neve)

E se muore lei tutta questa messa in scena del mondo che gira la posso pure smontare. Possono schiodare, arrotolare tutto il cielo, caricarlo su un camion col rimorchio…Possono spegnere questa luce bellissima del sole che mi piace tanto, tanto. Sai perché mi piace tanto? Perché mi piace lei illuminata dalla luce del sole. Possono portare via tutto: questi tappeti, questi palazzi, la sabbia, il vento, le rane, i cocomeri maturi, la grandine, le sette del pomeriggio, maggio, giugno, luglio, il basilico, le api, il mare, le zucchine…le zucchine

Quindi innamoratevi, baciate, amate chi volete, dove volete, quando volete…

e che sia San Valentino tutti i giorni della vostra vita!

Cris…VeryCris

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[Voti: 7   Media: 4.9/5]

Pantaloni stile smart…working

Adoro i pantaloni comfy, li trovo dotati di quella femminilità non provocatoria che amo, un po’ lounge un po’ utility ma senza rinunciare allo stile.

Dopo mesi passati a lavorare tra le mura di casa è ormai ufficiale: la “nuova normalità” richiede degli outfit confortevoli.

Pantaloni stile casual/elegante ampi, oversize, morbidi dai tessuti scivolati che liberano le gambe dalle costrizioni dei modelli slim fit e skinny.

Saranno il passepartout della quotidianità della primavera estate sia per il lavoro che per il tempo libero.

Mixati nel modo giusto, anche i pantaloni sportivi diventano un grande alleato in fatto di look, comodi ma anche femminili. In tessuti naturali e fluidi d’ispirazione anni ’90 che strizzano l’occhio alla contemporaneità.

Con pinces, cargo, pajamas, baggy, dalle linee morbide, a palazzo o balloon, con vita alta. Facciamoci un’idea, guardando le proposte delle collezioni estate 2021.

Ho selezionato per voi anche designer e brand emergenti, diciamo non solo i soliti noti.

Pantaloni baggy

Entrati a far parte del guardaroba femminile grazie al cinema e per la precisione grazie a Katherine Hepburn che ne ha fatto la sua divisa. Dal taglio maschile e sartoriale, vengono addolciti dalla scelta del tessuto che deve essere morbido e scivolato. quando il pantalone tende alla morbidezza, il top deve invece mantenersi più attillato, per avere un’allure sempre femminile. Ideali da portare con t-shirt o camicie aderenti, con le sneakers o scarpe basse e perché no anche con sandali flat.

Pantaloni con pinces

Morbidi a gamba larga, la resa finale dipende molto dal tessuto. Ideali in lino, in cotone leggero ma bellissimi anche in tessuti cangianti e morbidi che drappeggiano sulla silhouette appoggiandosi ai fianchi. Rigorosamente a vita alta.

Pantaloni morbidi dai tessuti eleganti
Jeans largo

Pantaloni con coulisse

Comodi da indossare. I pantaloni con coulisse sono l’essenza dello stile comodo. Grazie a quel dettaglio che scorre e stringe per adattarsi al corpo. L’importante è cercare modelli dai tessuti e colori originali e leggeri sia in tinta unita che in fantasia.

Pantaloni a zampa d’elefante

Dai tessuti morbidi, scivolosi, ideali di jersey per cadere dolcemente lungo le gambe e creare silhouette slanciate.

Pantaloni cargo
Pantaloni larghi e fluidi, proposti nelle fantasie esotiche
Pantaloni tipo tuta
Pantaloni baggy
Pantaloni alla caviglia
Completo monocromatico

Comodi e versatili al punto giusto, questi modelli declinati in materiali femminili e preziosi saranno il top della nuova stagione.

Non avete che l’imbarazzo della scelta…

Cris…VeryCris

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[Voti: 5   Media: 5/5]

Un trench è per sempre

Vista la stagione oggi vi parlo del trench, il capo più cinematografico che esista.

Il trench coat, letteralmente “cappotto da trincea”, nasce come capospalla militare maschile nel 1856.

Molti brand ne reclamano la paternità come Mackintosh, Burberry e Aquascutum e senza entrare nel merito e nella polemica, direi senza dubbio che il più famoso e iconico è il Burberry.

Dici Burberry e pensi immediatamente al trench, color kaki, a doppio petto con la cintura e la fodera interna tartan, questa è la realtà.

Malgrado la sua origine tutt’altro che glamour, attraverso le storie e le epoche, ha vestito generazioni di uomini fino ad entrare nell’immaginario collettivo come capo iconico dal fascino noir. Pensiamo a Humphrey Bogart, Peter Sellers, il tenente Colombo e il tenente Sheridan. Tutti personaggi la cui immagine è indissolubilmente legata al trench.

Negli anni ’60 è stato Yves Saint Laurent a lanciarlo sulle passerelle parigine in una versione femminile, raffinata e irrinunciabile.

Trench YSL

Portando così un capo, geneticamente britannico, allo status di tendenza dominante dello stile francese e ancora oggi conosciuto come un punto fermo di tutte le parigine alla moda.

Il trench, chic nelle sue linee pulite, semplice e disinvolto, con il suo colore tenue si coordina armoniosamente con la tavolozza dei colori parigini.

Fu amatissimo dalle grandi star del glamour come Brigitte Bardot, Audrey Hepburn, Principessa Diana, Jacqueline Kennedy, Marlene Dietrich, Jane Birkin, Kate Middleton, Emma Watson…e una lista infinita di altre bellissime donne.

Brigitte Bardot & Kate Moss
Marlene Dietrich
Meryl Streep – Catherine Deneuve – Marilyn Monroe
Sophia Loren & Monica Vitti
A colazione da Tiffany
Jacqueline Kennedy – Jane Birkin – Faye Dunaway
la nostra Franca Sozzani

Il trench è ancora oggi simbolo di stile classico ed eleganza e quindi come simbolo sottostà a delle regole precise.

Quali sono le caratteristiche che definiscono il trench?

Per essere veramente alla moda con il trench bisogna averlo traditional e giocare con gli accessori e gli abbinamenti.

Premetto che mi piacciono molto le innovazioni e le ispirazioni che vengono dalla storia del costume. Ma per quanto riguarda il trench, proprio perché capo iconico, lo preferisco decisamente il più possibile aderente all’originale.

Un trench ‘puro’ si distingue per alcuni dettagli, che in origine avevano anche funzioni ben precise.

Il tessuto principalmente era gabardine di cotone, con tessitura molto compatta che la rendeva idrorepellente e antivento.

Il colore tipico, il kaki , adatto a tutti e perfetto per il giorno.

Il modello originale è “doppio petto”, studiato appositamente per proteggere dal vento.

Le tasche oblique, ideali in guerra per contenere oggetti e per noi comodissime e femminili.

La fodera è in tartan per non farci dimenticare la provenienza britannica e poi diciamocelo dona un tocco di frivolezza.

Revers e colli pronunciati

La cintura che si può allacciare o no, poi vedremo come, deve esserci e anche la fibbia che però noi non useremo. In origine, aveva anelli in ottone per appendervi accessori.

E detto tra noi la cintura è fondamentale per segnare il punto vita e quindi donare femminilità, va quindi stretta bene intorno ai fianchi, con chiusura mai centrale, come le brave bambine, ma sempre verso il fianco sinistro. Quando il trench è aperto, la cintura va legata dietro la schiena con un nodo.

Altri elementi distintivi sono le maniche con taglio raglan che consentiva ampi movimenti delle braccia senza costringere, la mantellina posteriore, le spallette militari che davano la possibilità di apporre le mostrine militari, e lo spacco dietro per agevolare i movimenti.

ll trench perfetto arriva qualche centimetro oltre il ginocchio.

Oltre al modello classico, esistono altre lunghezze: la prima cortissima, praticamente una giacca, la seconda con lunghezza a metà coscia. la terza che arriva alle caviglie.

Vi voglio dare degli spunti per la scelta dei modelli prendendo come riferimento l’archivio di Burberry e che possiamo considerare riferimento anche per gli altri marchi.

CHELSEA dal taglio slim, sfiancato, decisamente più avvolgente e femminile. Spalle strette e vita aderente.

KENSINGTON il classico dei classici, quello iconico.

CHELSEA

SANDRINGHAM dal taglio sartoriale con busto più aderente.

SANDRINGHAM

ISLINGTON classico trench reinterpretato con una silhouette aderente e un taglio leggermente più corto.

WESTMINSTER modello classico con un taglio più morbido e maschile

ISLINGTON & WESTMINSTER

WATERLOO dalle linee più allungate e dalla vestibilità comoda. Pensato per un look a strati e per essere abbinato a capi sartoriali.

WATERLOO

PIMLICO linea dritta, monopetto con dettagli minimalisti e una silhouette lineare.

PIMLICO
Abbinamenti

È molto facile apparire alla moda con un trench. Può essere indossato con qualsiasi vestito, jeans e gonne, e pantaloni morbidi o dritti. Io personalmente giocherei molto con gli accessori, come per esempio sostituire la cinta con un foulard.

Vi lascio alcuni spunti di street style per i vostri outfit.

Aggiungi un trench all’elenco dei capi basici del tuo guardaroba.

Cris…VeryCris

Date un’occhiata alle offerte del mio SHOP ,

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[Voti: 7   Media: 4.3/5]

Made in Italy, oggi vi racconto la storia…

Made in Italy, nulla che abbia veramente valore si costruisce in un giorno.

Il successo della moda italiana è frutto di una lunga storia. E’ partita dal glamour del cinema e dalla sensualità delle grandi dive americane che ne sono rimaste ammaliate.

Un fascino che nel corso dei decenni si è ampliato come un’eco e che continua fino ai giorni nostri.

Il meraviglioso percorso segnato da momenti topici, nel quale la presa di coscienza delle qualità e dell’identità della moda italiana, sui mercati esteri, si è sviluppata è consolidata.

Occasioni, eventi e specialmente personalità creative e visionarie hanno creato l’imput, la partenza, la scintilla del nostro successo. Ma partiamo dall’inizio.

C’erano una volta gli anni ’50...

La moda italiana era messa in ombra, oscurata dal prestigio e dalle innovazioni della moda francese che si divideva tra Cocò Chanel e Christian Dior.

Le nostre bravissime Sorelle Fontana godevano già di una notevolissima popolarità tra le nobildonne romane. Popolarità che però rimaneva confinata tra le mura della città eterna.

Fra le tre sorelle, Giovanna era la “manager”, si occupava dei contratti, degli affari e dei pagamenti. Zoe era la “creativa”, sempre a caccia delle ultime tendenze da riversare nella creazione degli abiti e Micol era “il piccione”, come la chiamavano le sorelle, il cui compito appunto era andare in giro per il mondo per sponsorizzare le collezioni dell’Atelier e seguire le commesse dall’estero.

Nel ’49, grazie a Cinecittà l’eco della bravura delle nostre stiliste, arrivò fino in America e precisamente alle orecchie di Linda Christian che scelse proprio loro per confezionare l’abito da sposa per il suo matrimonio con Tyrone Power. Lo sposo, per non essere da meno scelse il sarto Caraceni per il suo vestito.

Fu un evento mediatico senza precedenti, che fece aumentare a dismisura la popolarità delle Sorelle Fontana e di Caraceni . Trasformò Roma nella “Hollywood sul Tevere”.

Da quell’evento tutti i riflettori di Hollywood e delle sue divine si concentrarono sugli atelier della capitale.

Ava Gardner si faceva vestire solo dalle Sorelle Fontana sia nella vita privata che sul set. E’ una loro creazione il famoso abito “ Pretino”, ripreso poi per Anita Ekberg nella “Dolce Vita” di Fellini.

Anche Margaret Truman, figlia del Presidente degli Stati Uniti Harry S. Truman, le scelse per il corredo oltre che per il vestito da sposa. Vestirono anche Jakie Kennedy, Soraya, Liz Taylor, Mirna Loy, Barbara Stanwich, Michelle Morgan…

Ed ecco che l’Italia divenne non solo la culla della moda ma anche il “paese del bel vivere”. Roma diventò meta fissa delle stelle del cinema. Spasimavano per la nascente silhouette a vita stretta con décolleté in evidenza, per le ampie e lunghissime gonne, per le scollature su schiena e spalle, tipiche dello stile italiano.

Il costumista Piero Gherardi realizzò per Anita Ekberg il leggendario abito nero con scollo a cuore e spacco vertiginoso che iconizzò la procace attrice e la fontana di Trevi.

Sull’onda di questo sfavillio della moda romana si fece strada l’intuizione del conte Giovanni Battista Giorgini, brillante imprenditore e aristocratico, fiorentino di grande charme, che decise di presentare l’Alta Moda italiana ai compratori esteri in un unico evento.

Un salto di qualità notevole, non più Haute Couture, pochi abiti realizzati per pochi eletti, ma una moda da boutique, sempre di qualità molto alta, ma per un più alto numero di persone. Quindi non più abiti su misura ma abiti in taglie.

Seconde linee che si ispirano alle creazioni più esclusive, su misura, ma semplificate nei tagli e rese più accessibili al pubblico.

Nel ’51 Giorgini radunò, nella splendida cornice di Villa Torrigiani a Firenze, un gruppo di stilisti e couturier che arrivavano da Roma e Milano, e organizzò “the first italian high fashion show” .

Gli inviti furono selezionati e recavano una specifica clausola:

Lo scopo della serata è di valorizzare la nostra moda. Le signore sono vivamente pregate di indossare abiti di pura ispirazione italiana.”

Il successo fu tale che ne fu organizzata un altra l’anno successivo nella sala bianca di Palazzo Pitti che ebbe un successo stratosferico.

Grazie a questa intuizione, l’Italian Look trovò la propria consacrazione sfilando nei grandi saloni rinascimentali fiorentini. Una giovanissima Oriana Fallaci inviata per Epoca, ne fece la cronaca.

G:B. Giorgini
Ballo-in-casa-Giorgini,1951,-Simonetta-Visconti-(a-sinistra)-con-alcune-compratrici-americane.

Tra il pubblico figurarono i più importanti buyers americani che videro nella cosiddetta moda-boutique un prodotto eccellente per il mercato d’oltreoceano e per la grande distribuzione di fascia alta. Creazioni realizzate in piccoli laboratori, con qualche decina di artigiani che potevano garantire una produzione per qualità e costi, perfetta. Lo stile incontrava la qualità dei materiali e della confezione sartoriale in un prodotto realizzato su scala sufficientemente ampia da poter servire le più prestigiose catene di grandi magazzini.

Firenze – sala bianca-1951

Da quel febbraio 1951 in poi, a quelli originari si sarebbero aggiunti nuovi talenti: Capucci, Galitzine, Krizia, Valentino e Mila Schön.

Nacque il prêt-à-porter italiano!

Sfilata-in-Sala-Bianca,-luglio,-1955
1956
A metà degli anni ’50 si delineò in Italia una sorta di distribuzione dei compiti, caratteristica del Made in Italy, che si sarebbe poi perfezionata negli anni successivi.

Nel 1962 viene costituita la Camera nazionale della moda italiana, cui aderirono anche le case di moda milanesi.

Roma si sarebbe dedicata all’alta moda, Firenze alla moda-boutique, Torino e Milano all’abito di confezione e alla produzione dei tessuti.

Siamo nell’ottobre 1965 e la mitica Diana Vreeland deciderà di pubblicare nel numero più importante di Vogue, un servizio dal titolo “The Italians” per presentare i nuovi stilisti italiani in tutto il mondo.

Nell’editoriale in bianco e nero due altere modelle spiccavano tra colonne, capitelli e balconate definendo le linee e lo stile di quel che sarà riconosciuto per molto tempo a seguire come il Made in Italy.

Vogue


Vogue

Figura di spicco del Made in Italy, insieme a Giorgini, fu Beppe Modenese, che di Giorgini fu stretto collaboratore.

Uomo dal fascino incredibile e dotato di un’eleganza di modi naturale, molto amato dal dal jet-set internazionale fu definito con affetto da Vogue America “Minister of Elegance”. Organizzatore di eventi incredibili, il 3 ottobre del 1979 inventò il concetto stesso di Fashion Week, il Modit: tre giornate di defilè con 19 nomi in calendario, il vero inizio della moda a Milano.

Consulente di grandi aziende, consigliere fidato di molti stilisti, come l’amica Laura Biagiotti, il suo nome divenne sinonimo di certezza per tutti coloro che avessero degli interessi nel mondo della moda.

Trasformò Milano nel cuore della moda italiana.

Ora che conoscete la storia del Made in Italy sono certa potrete esserne orgogliosi come lo sono io.

Per me lo stile italiano è una filosofia che fa parte di un patrimonio culturale, fatto di storia e di familiarità con il bello. E’ alleanza, sinergia tra creatività e imprenditoria.

E’ un particolare approccio al design e alla realizzazione, è un pensiero completo, avvolgente nel quale creatività, inclusione di tradizioni culturali, spirito solare e moderno ne sono il dna.

E’ il contrario dell’iperspecializzazione (tanto in voga in questo momento), è visione globale che vive nel legame tra abilità del saper fare, creatività e imprenditorialità.

Il Made in Italy è l’accordo armonioso tra l’impulso iniziale, il percorso per realizzarlo e il manufatto finito, è poesia.

Io ne sono pazzamente innamorata, è il carburante del mio lavoro, è il sentimento che accompagna ogni mia creazione.

Buon “Italian life style” a tutti !

Cris…VeryCris

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[Voti: 6   Media: 5/5]

Ispirazione senza tempo 1968 – Betty, Loulou & Yves

L’ispirazione è energia, è la sensazione che un’idea sia possibile.

“ Tutto ciò che vive crea un’atmosfera intorno a sé, l’artista è quell’anima eletta capace di coglierla.” (Goethe)

La musa è colei che crea l’atmosfera e per per un couturier che è l’anima eletta, coincide spesso con la modella, cioè con colei che oltre a stimolarlo, incarna la sua ispirazione, nel senso che la rende fisica.

E’ come se la musa fosse il punto di arrivo di un percorso creativo, mentre è ancora in atto. L’immagine concreta di un ideale mentre ancora lo si sta cercando, lo si sta immaginando. La musa è la creatura che genera il suo autore.

Yves Saint Laurent arrivò a dire che : “Una vera modella può anticipare la moda di dieci anni”.

Ed è proprio di Yves Saint Laurent che vi parlerò oggi.

Precursore di mode e modi, uomo dalla vita travagliata e complessa, dalla personalità caratterizzata da alternarsi incessante dello yin e dello yang.

Per YSL una sola musa non era sufficiente, la sua complessità, la sua visione della moda, aveva bisogno di due figure complementari e agli antipodi, per concretizzarsi. Una ha rappresentato il lato gioioso e la frenesia della creazione, la seconda il lato oscuro, notturno, destabilizzante del genio. Da un lato il femminile e dall’altro il maschile, come dicevamo lo yin e lo yang.

Loulou de la Falaise e Betty Catroux sono state entrambe muse indispensabili e rappresentative di uno stile che seppur personalissimo poteva vestire donne diversissime e uniche.

Sono state la boccata di futuro per YSL, da cui ha attinto la loro modernità per immaginare la donna che le altre donne avrebbero desiderato essere prima ancora di saperlo.

Queste due icone capaci di ispirare il lavoro di YSL per una volta e per tutta la vita, sono diventate, insieme al suo compagno e socio di sempre Pierre Bergé, la sua famiglia.

Una famiglia che ha inglobato tutti gli aspetti di sé stesso, quelli temuti, quelli desiderati e quelli a cui tendere, che poi hanno rappresentato la vera ispirazione.

Un mondo parallelo suggellato dall’arte, intriso di glamour e di amore.

La ricerca costante di un bilanciamento di contrasti interiori ed estetici, di un equilibrio creativo perfetto raggiunto attraverso le relazioni che si creano tra corpi e menti.

Yves Saint Laurent rispettava, amava e ammirava le donne, lo faceva con un sentimento pulito e gentile, espressione della sua indole e signorilità, mettendone sempre in risalto la bellezza.

Loulou de la Falaise, aristocratica hippy, diventò prestissimo un tassello fondamentale nell’immaginario creativo di Yves. Il suo bicchiere mezzo pieno, il suo angelo custode. La personificazione del glamour che dà corpo ai sogni del couturier.

Bella, solare, irriverente e assolutamente charmante. Il lato nomade di Yves.

Britannica e parigina allo stesso tempo, delicata ed elegante, aveva stile e giocava con le etichette. Instancabile lavoratrice, creativa di gioielli e accessori, amava la moda e aveva talento.

Stravagante e poetica Loulou aveva incontrato Yves nel 1968 durante una visita ad un comune amico. Aveva la passione per i colori, possedeva il dono dell’eccentricità e uno charme impalpabile e bohémien che fece innamorare istantaneamente Yves. Pochi anni dopo entrerà nella maison su richiesta dello stilista stesso e diventerà rapidamente una delle sue collaboratrici più fidate.

Gli darà un contributo significativo portandolo a riscoprire il colore, i mélanges e l’associazione dei contrasti. Resterà al suo fianco per 30 anni come musa e collaboratrice instancabile, creando gioielli e cappelli per la maison di haute couture, oltre che come amica, confidente e compagna di viaggi e di lunghi soggiorni a Marrakech.

Le muse, che siano la quintessenza della raffinatezza o anime inquiete e ribelli, hanno qualcosa da dire oltre che da mostrare e il loro fascino è ancora più importante della loro bellezza.

Yves Saint Laurent che fu un innovatore instancabile, costantemente votato a modernizzare l’immagine della donna fu sempre attratto dalla dualità tra maschile e femminile, elementi contrastanti solo all’apparenza che troveranno per lo stilista un equilibrio perfetto in Betty Catroux, da lui stesso definita “il suo alter ego femminile”, “la sua anima gemella”.

Si incontrarono nel 1967 al ritrovo di Parigi “The New Jimmy’s”, diventando immediatamente inseparabili, fu attrazione a prima vista.

Eccentrica e ribelle, unica ed enigmatica, altissima, biondissima dai lineamenti scarni (frutto di anni di anoressia) e l’aspetto androgino e simile a quello di Bowie.

Furono l‘ambiguità, la versatilità e la modernità di Betty le caratteristiche che la resero, agli occhi di Saint Laurent, la sua controparte, il suo alterego femminile.

Laurent e Catroux diventarono immediatamente inseparabili annegando le loro comuni malinconie in baldorie notturne. Eccentrica e ribelle, Betty ha sempre rifiutato i diktat della moda che le venivano imposti dall’esterno vestendo sempre una sorta di uniforme che non abbandonò mai.

Nel suo guardaroba solo maglie a collo alto, pantaloni a sigaretta neri, blazer neri, raramente abiti da sera, jeans e abiti dal taglio maschile. Immancabili gli occhiali da sole neri.

Per Laurent, che stava lavorando per sviluppare una nuova estetica che chiamava “maschile/femminile”, il loro rapporto fu anche fonte d’ispirazione per la creazione di blazer dal taglio maschile. La Catroux divenne immediatamente ciò che il designer chiamava “l’incarnazione del femminile ideale.”

“Tu rappresenti per me non solo amore ma l’eleganza unica”

(Lettera di Yves Saint Laurent a Betty Catroux)

Betty ha personificato, meglio di chiunque altra, l’affascinante enigma di Saint Laurent e delle sue lunghe silhouette, celebrate in tutto il mondo e immuni alle mode passeggere.

La Catroux si rifiuterà sempre di lavorare per lo stilista ma lo ispirerà per tutta la vita sia con il suo stile che come devota confidente e amica di scorribande notturne.

È stato un colpo di fulmine quando ci siamo incontrati e non ci siamo mai lasciati. Dopo di che abbiamo vissuto solo per divertimento, noi due contro il mondo. Odiavamo la vita normale!“

(Betty Catroux)

Lolou e Betty erano le migliori amiche del mondo, anche se erano l’opposto l’uno dell’altra e insieme a Yves hanno formato un trio inseparabile.

 Durante il giorno Yves lavorava con Loulou, che era sempre felice. E la sera mi chiamava: “Va tutto male, non ce la faccio più, la vita è terribile”. Io, rilanciavo: “Come hai ragione! Andiamo a perdere la testa per dimenticare questo incubo che è la vita”. Loulou era esattamente l’opposto, trovava sempre tutto meraviglioso. Lei era il nostro Prozac.

(Betty Catroux)

Questa relazione di profonda affinità elettiva e amore, durata più di 30 anni con le sue muse, è all’origine delle creazioni di Yves, che ha trovando l’armonia negli opposti.

Ha reso popolare il completo pantalone, il trench, la sahariana, la pelle, i codici maschili riletti al femminile ma ha anche creato romantiche fantasie sartoriali e abiti dalla femminilità estrema e dalla linea ultra femminile.

“La creatività si manifesta nell’interazione tra i pensieri di una persona e il dialogo con qualcuno che la capisca”

Anche nella vita Yves Saint Laurent fu creatore di armonia.

Buona moda a tutte!

Cris…VeryCris

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[Voti: 7   Media: 4.4/5]

Giochiamo con i colori…collant e calzine revival

Colori questo inverno si portano così.

Velate o coprenti, coloratissime o fantasia, se cerchiamo un alleato chic per le rigide temperature invernali, possiamo sicuramente trovarlo nei collant colorati e nelle calze.

Le coraggiose che preferivano le gambe “nude look”, affrontando così il freddo polare, il vento e la neve, pur di essere glam, ora si possono sbizzarrire con i look più avventurosi ritornando alle calze e ai calzini.

Non più un semplice e a volte necessario accessorio per coprire le gambe, ma vero protagonista dei look invernali. Un tocco di colore per sfidare il grigio del tempo. L’idea è quella di stupire, creando un dialogo con il resto dell’outfit.

I colori sono i grandi protagonisti, un abito che spesso passa inosservato per la propria sobrietà, con calze e collant, rigorosamente coprenti e colorati, recupera personalità e fa risollevare l’umore.

S’indossano con gonne corte, shorts, spuntano da quel piccolo tratto che intercorre tra il piede e l’orlo midi, evidenziano le caviglie con i pantaloni e jeans slim, insomma non ci sono limiti. L’importante è scegliere le scarpe giuste e osare, sperimentare con ironia.

Scarpe francesine, stivaletti, anfibi, sandali, zoccoli, stringate, sneakers, tacchi alti, Mary Jane, non ci sono regole, se non quelle dettate dal buon gusto e dall’armonia con il vostro fisico e carattere.

Ora vi aspettereste dei consigli per gli abbinamenti, ma in realtà io reputo che siano veramente pochi e assai banali, tipo: i colori scuri snelliscono, i colori chiari e brillanti arrotondano le forme, le calzine corte spezzano lo slancio della gamba (basta quindi abbinarle ai tacchi). Le bionde si vestono con colori scuri, le more con colori brillanti, anche questo secondo me è un pensiero errato perché in realtà l’accostamento colori dipende dal carnato della pelle e non dal colore dei capelli.

La verità è che non ci sono dictat.

Quante volte vi è capitato di vedere indossati colori che voi mai avreste osato indossare o abbinare e trovarli eleganti e ricchi di charme?

L’unico mio obiettivo oggi è suggerirvi idee di look, di outfit, di abbinamenti, di palette colori inusuali e originali.

Questo articolo vuole essere pieno di idee che possano darvi il coraggio di osare, sperimentare, giocare, perché la moda è anche espressione di un modo di essere e chi meglio di voi stesse può scegliere giorno per giorno cosa indossare?

Buon divertimento:
colori tono su tono
Gradazioni di grigi

Abbinamenti colori tono su tono: indossando collant o calzine dello stesso colore della gonna o abito, con piccole variazioni in gradazione più chiari o più scuri.

Colori a contrasto

Giocare creando dei contrasti colori per creare un vero e proprio distacco, uno splash di colore. Cercate in questo caso di equilibrare lo shock con un altro piccolo dettaglio dello stesso colore( guanti, fermaglio per capelli, sciarpa, borsa…)

multicolor

Multicolor, uno stile street & pop, se volete esagerare, esagerate ! In questo caso dovete essere chiari dell’effetto “iper” che volete creare. Niente vie di mezzo!

Ed ora invece abbinamenti inediti:

palette 1

L’arancione si adatta benissimo alle fantasie tartan e con un colore come il celeste che ne riequilibra la potenza donando armonia cromatica.

palette 2

Un richiamo ai tipici colori autunnali.

palette 3
palette 4
palette 5
palette 6
palette 7
palette 8
palette 9

Voglio fare un breve intervallo per sottolineare un elemento moda che secondo me fa una gran bella differenza. Gli zoccoli, in tutte le forge, in tutti i colori sono il “must have” di questo inverno. Io ne sono pazzamente innamorata.

zoccoli

Da indossare sia con le calzine che con i collant o con tutti e due.

zoccoli Moi – palette 10
palette 11
palette 12

Questi zoccoli li potete trovare da MOI .

Spero che vi siate divertite e che vi divertirete ad osare.

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Cris… VeryCris

[Voti: 3   Media: 5/5]

Françoise Hardy- timeless inspiration 1966

Françoise Hardy, un’introversa diventata icona.

Volendo scegliere una donna europea simbolo dello stile ye’-ye’ (movimento giovanile e conseguente moda degli anni ’60), non ho avuto nessun dubbio nel volervi parlare di Françoise Hardy. La sua musica sognante e il suo stile unico l’hanno portata a essere un personaggio cult e decisivo per il mondo della moda. Ispiratrice per Yves Saint Laurent e Paco Rabanne, anche ora, negli anni più recenti ha ispirato e influenzato il lavoro di Nicolas Ghesquière (dir. creativo di Louis Vuitton ).

Françoise Hardy tuta progettata appositamente per lei da YSL
Françoise Hardy- abito di Paco Rabanne

Françoise Hardy è alta m.1,72. Ha grandi occhi verdi, intensi e lunghi capelli castano-dorati. È sottile fino a essere spigolosa, con un volto dai lineamenti marcati ma gentili. Ma è la “nonchalance” la caratteristica più evidente del suo fascino ed è per questo che l’ho preferita rispetto a Jean Birkin o altre bellissime “madamoiselle” di quegli anni. E’, secondo me, l’esempio più rappresentativo di classe, carisma e stile tipicamente francese senza esibizione o costruzione. Un’introversa diventata icona. Leggera, persino fragile di una grazia unica e inimitabile, incarnava e incarna ancora il fascino fresco e vibrante, l’eleganza rilassata che associamo alle donne francesi.

Conosciamola più da vicino.

Nata a Parigi nel 1944, figlia di una ragazza madre, si fece regalare una chitarra per la maturità (si diplomò al liceo due anni prima a 16 anni e fu accettata sia nel prestigioso Sciences Po Paris che alla Sorbona). Imparò da sola a strimpellarla e a scrivere canzoni fragili e sentimentali in un suo personalissimo stile che poi sarà molto imitato. A diciotto anni diventò improvvisamente celebre cantando “Tous les garçons et les filles”, canzone simbolo del disagio adolescenziale che vendette milioni di copie nel mondo.

Dalla sua prima apparizione televisiva francese nel 1962, in un maglione verde oversize, indossato in modo sbarazzino con lo scollo a V sulla schiena, divenne l’usignolo parigino affascinando il pubblico e i fan non solo parigini. Poteva solo essere francese Françoise Hardy!

Il suo sound e il suo stile minimalista, in tempi di “hippitudine”, furono in breve tempo simbolo di come vestire alla francese, della frangetta alla francese, del blazer alla francese e delle ruches alla francese, delle magliette alla francese e ovviamente delle canzoni alla francese.

La Hardy raggiunse la fama da adolescente, attraverso la sua voce meravigliosa, la profondità della composizione e la colorata malinconia, ingredienti che le permisero di vendere milioni di dischi in tutto il mondo francofono e non solo. Ma ci vuole più della bellezza e delle canzoni orecchiabili per diventare il simbolo di un’epoca nel mondo della moda e della musica.

Quindi qual è esattamente l’essenza del fascino di Hardy e perché ancora oggi ci affascina?

La sua voce nuova e inscindibile da quei capelli che cadevano lisci e lunghi, per quel fisico asciutto, flessuoso, per quella sua malinconia romantica che la faceva ridere raramente e per quella sua aria un po’ enigmatica e misteriosa, una specie di delicato broncio. Per quel suo “Je ne sais quoi“, leggerezza romantica e seducente.

La verità è che sono una solitaria, una marziana. Da sempre. Ingenua come poche, non avevo alcuna coscienza di me”.

Nel 1965 cantò al Savoy Hotel di Londra partecipando al periodo della Swinging London, incontrò i Beatles, i Rolling Stones, indossò le minigonne di Mary Quant. Nel 1967 decise di fondare una propria etichetta discografica (Asparagus), pubblicando diversi album, in Francia e all’estero (compresa l’ Italia).

Ebbe corteggiatori molto famosi: Bob Dylan (che compose un poema per lei), Mick Jagger (che in un’intervista la definì la sua “femme idèale”) e David Bowie.

Con Mick Jagger e Bob Dylan

“Quando conobbi Mick Jagger rimasi fulminata: aveva un carisma incredibile. Un giorno, mentre giravo per Londra, da sola come sempre, me lo ritrovai davanti: mi fece un sorriso che avrebbe sciolto chiunque. Io, timida, ricambiai e tirai dritto. Tempo dopo lessi un’intervista a un magazine in cui sosteneva che fossi la sua “femme idèale”. Incassai i complimenti e basta.

E Bob Dylan?

La sua musica mi commuoveva. Scrisse un poema per me e una sera mi invitò nella sua camera d’albergo per farmi sentire in anteprima due inediti. Magro, scheletrico, aveva le unghie lunghe e le dita gialle, mi fece quasi paura”.

“Sono stato per molto tempo appassionatamente innamorato di lei, come sono sicuro abbia indovinato. Tutti i maschi del mondo e anche alcune femmine, lo sono stati, e lo siamo ancora”. David Bowie

Recitò anche in alcuni film di Jean-Luc Godard, di Claude Lelouch e in Grand Prix di John Frankenheimer che da un punto di vista della moda la lanciò nel pantheon delle icone di stile. Il film è incentrato sul circuito di Formula 1 con la Hardy che vestiva le uniformi dell’ambiente da corsa. È impossibile scrivere la storia dei jeans attillati o dei pantaloni di pelle senza includere il ritratto di Françoise nel film “Grand Prix”, così come il suo guardaroba fuori dal set durante le riprese del film.

Durante le riprese di Grand Prix
Fuori dal set di Grand Prix

Fu in questo momento particolare che la sua bellezza disinvolta e sempre così insolita raggiunse l’apice. Esaltata dall’energia del look da corsa, la sua figura flessuosa si prestava alla silhouette sottile e aderente delle pelli e dei tessuti delle tute da corsa.

Ma il cinema non era nel suo mood e dopo Grand Prix non ne fece altri.

Nel 1968, il suo manager le propose di fermare il tour per un anno, per potersi dedicare alla scrittura delle canzoni e a nuove registrazioni. Lei trasformò questa pausa da temporanea in definitiva decidendo di ritirarsi dalle scene e non tenere più concerti dal vivo.

Detesto viaggiare, andare in tournée per me ha sempre voluto dire soltanto stare lontana dall’uomo che amo, con la paura di non ritrovarlo al ritorno. Voglio fare solo viaggi intorno a me stessa”

Fu una regina nel nobilitare i look più semplici e un’attitudine per mixare al meglio capi ultra femminili ad altri più maschili. Il suo mood e stato qualcosa di chic non passerà mai di moda, un’aria di moderazione ed eleganza che l’hanno distinta dagli stili giovanili più audaci e popolari in Inghilterra e negli Stati Uniti.

Ha imposto il pantalone semi aderente, adottato persino dalla celebre Brigitte Bardot. Le scelte di moda di Françoise Hardy, i suoi tailleur bianchi Courrèges e il primo Smoking di Yves Saint Laurent. E nel 1967 ha dettato alle diciottenni di tutto il mondo: “Gonna lunga! Una spanna sotto il ginocchio!”. Anche così si costruisce un mito.

Tutto quello che indossava era molto chic, molto francese e molto indossabile anche oggi. Volete idee e spunti di stile?

la pelle nera, la dolcevita, i grandi occhiali
I jeans bootcut rigorosamente a vita. la docevita nera, gli stivaletti bianchi, il trench
le camicette con la rouges, gli shorts di pelle, gli stivali, la frangetta
i pantaloni di pelle aderenti, la camicia bianca, la bandana, gli occhialoni neri
il completo stile uomo rigorosamente nero, la camicia bianca con nastrino
il maglione melange fatto ai ferri
Una francese senza un cappello è una regina senza corona: un accessorio iconico da osare con altrettanto sfizio francese

Nel 2018 dopo anni di dura lotta contro la malattia e un’edema polmonare che, per un periodo, le ha compromesso la voce, Françoise Hardy è ritorna alla vita con un nuovo album.

Spero che questa splendida icona abbia affascinato anche voi. Se l’articolo vi è piaciuto condividetelo. Alla prossima !!

Cris…VeryCris

[Voti: 3   Media: 5/5]

Buon anno nuovo

Buon Anno Nuovo

Vorrei dire a tutti che il 2020 è stato un anno terribile… ma che se non cambiamo noi ce ne saranno un’infinità di altri anni terribili…compreso il 2021 quindi…

Auguro a tutta l’umanità di responsabilizzarsi rispetto agli eventi, di essere unita e solidale, di proteggere e rispettare la natura, di abbandonare e condannare tutti gli atteggiamenti che generano egoismo, avidità, soprusi, violenza sia verbale che fisica, di isolare gli sciacalli, approfittatori delle paure e debolezze altrui, di cercare di mettersi un po’ nei panni degli altri per quanto possibile prima di giudicare, di recuperare valori anche economico-finanziari alla portata d’uomo.

Il nostro Karma siamo noi e solo noi possiamo cambiarlo, voliamo un po’ più alti di così…

Buon anno nuovo a tutti !!!

Cris…VeryCris

[Voti: 1   Media: 5/5]

Pierre Cardin

Pierre Cardin
Pierre Cardin ci ha lasciato…una bellissima eredità.

Anni prima della missione Apollo 11 e ben prima dell’uscita di “2001 Odissea nello spazio” di Stanley Kubrick , lo stilista Pierre Cardin, che nel 1950 fondò la sua etichetta omonima a Parigi, immaginava attivamente la vita sulla frontiera galattica. La sua moda dal mood stravagante ha dato contorni allo spirito culturale visivo e stilistico dell’era spaziale.

“Il mio capo preferito è quello che invento per una vita che ancora non esiste”, ha detto spesso, “il mondo di domani”.

Cardin ha reinventato la minigonna con silhouette geometriche affilate come rasoi, ornamenti grandi come gioielli, grandi cerniere e ritagli. Ha realizzato tute, merletti e tute di maglieria per qualsiasi genere. Materiali sintetici innovativi come acrilico, vinile, paillettes, lurex e metalli scintillanti spesso erano presenti nei suoi progetti. Ha lavorato con un materiale chiamato Dynel, un tessuto che poteva essere modellato a caldo in pieghe complesse, commercializzandone una versione con il nome Cardine. Progettista di completi, ha immaginato elmetti di vetro a cupola e cappelli architettonici in un colore a blocchi di colore. Ha prodotto abiti ultraterreni e ha catturato l’immaginazione del pubblico per un giorno in cui i viaggi nello spazio potrebbero essere all’ordine del giorno.

Pierre Cardin

Dall’abito a bolle al costume Mao, dalla moda cosmonauta alla moda unisex, all’abito modellato in fibre sintetiche. Pierre Cardin mostra un feroce appetito per la sperimentazione. Le sue forme costruiscono sagome geometriche basate su cerchi e triangoli; il loro volume scultoreo richiede che il corpo si adatti ad esso. Pioniere, Pierre Cardin ha portato l’arte di vivere giapponese a Parigi e l’ha portata in vita nelle sue collezioni. Un viaggio nei dintorni del 1960 in Giappone sarà decisivo per questo incontro con la cultura giapponese. Lì incontra Hiroko Matsumoto, una modella giapponese che lo accompagna a Parigi e diventerà la sua amante. Nella sua casa di moda, Mademoiselle Hiroko è stata la sua musa e la sua musa ispiratrice per quasi dieci anni.

L’innovazione era il suo mantra…

Pierre Cardin grazie per averci trasmesso il tuo immaginario !

Cris…VeryCris

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Benedetta Barzini – timeless inspiration 1963

Benedetta Barzini: il fascino che resta immutato nel tempo.

Negli Anni Sessanta Diane Vreeland voleva modelle con personalità e cercava quella nuova bellezza a cui corrispondeva perfettamente l’italiana Benedetta Barzini dal volto irregolare e mediterraneo .Le fu presentata dall’italoamericana Consuelo O’Connell Crespi, all’epoca redattrice di moda, che la notò per strada.

Benedetta Barzini esordio con Diane Vreeland Vogue America

Benedetta debutta come modella nel 1963 a Roma per Vogue America ed entra così a far parte di quella costellazione di icone degli anni ’60.

Io non mi sono mai immedesimata nella follia del mestiere: perché, di follia, avevo la mia personale, che era anche più forte…Soffrivo di anoressia: ed è una malattia che ti tiene lontana dagli specchi, dal rivedere le tue fotografie, che ti fa scappare dal tuo corpo…”. ( B. B.)

Cominciò così, a vent’anni il suo esordio nella moda come modella. Benedetta pensò che sarebbe rimasta lontana dall’Italia solo qualche giorno, invece vi rimase per cinque anni. Gli obiettivi delle macchine fotografiche di Bert Stern, di Richard Avedon e di altri grandi fotografi, immortalarono quel suo particolare “volto” che metteva in evidenza una sofisticata interpretazione del look mediterraneo.

Barzini-Benedetta-1963-buccellati-collana
Benedetta-Barzini-in-Mila-Schon-Rome-1968
Benedetta-Barzini-Vogue-1965
Benedetta Barzini 1970 1965 con Moravia e Maraini

Benedetta Barzini la prima top model italiana degli anni ’60 è ancora bellissima, di una bellezza magnetica fatta di distanza, di quella distanza che crea appeal.

Mi è capitato di fare questo lavoro e mi ha insegnato tantissimo, ma all’epoca facevo quello che mi veniva richiesto e lo facevo al meglio. Non mi interessava il prodotto finito, mi interessava che chi lavorava con me mi dicesse: ‘abbiamo lavorato bene con lei, la richiamiamo’. Il risultato era il loro, non c’entravo io. Io facevo solo il mio lavoro” (Dall’intervista a Silvia Nucini su Vanity Fair )

Il suo lavoro lo ha fatto mantenendosi critica e distaccata, da intellettuale prestata all’immagine ed è in questa distanza che trapela il segreto del suo carisma.

Benedetta-Barzini-Vogue-1965-e-Sfilata-Marras

Il ritorno in Italia

Dopo 5 anni di vita da top model in America la Barzini tornò in Italia diventando una delle modelle predilette di Ugo Mulas, si dedicò poi alla famiglia, all’insegnamento sempre nel campo della moda e all’impegno politico. Negli anni 70 abbracciò da militante la causa femminista, diventando scrittrice e docente acuta e controcorrente di Antropologia della moda, in eterna lotta con un sistema che per lei significa sfruttamento del femminile.

Musa, modella, femminista, docente, giornalista, ribelle e anticonformista. Non si può definire Benedetta Barzini perché significherebbe inquadrarla in uno o più stereotipi che lei ha sempre rifiutato. Ma una cosa è certa, questa donna dalla personalità complessa e dall’intelligenza acuta ci ha regalato una delle conquiste che ha rivoluzionato il